viernes, 11 de diciembre de 2009

Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo (MAC)


Fachada del MAC.
(Ministerio de Educación
y Cultura)
Arte nuevo

18 de Julio 965, entre Río Branco y Julio Herrera y Obes. El venerable edificio, octogenario, es una elegante evocación de aquella ciudad afrancesada de principios del siglo pasado, culta, sensible a las vanguardias artísticas. Desde su nacimiento, en otoño de 1932, es la Casa de los Rurales, construida por Francisco Lasala, con las formas delicadas y la luz envolvente que define al estilo Art Nouveau. Fue por pedido de los pioneros de la Federación Rural, emprendedores del país que concibieron un escenario inspirado en su medio de lucha diaria: la naturaleza. Desde hace una década, su segundo piso es un espacio único, que multiplica iniciativas, que preserva nombres y obras memorables, que apela a la memoria de un pasado muy actual, repleto de futuro. Allí está el Museo de Arte Contemporáneo de El País. Un ámbito de expresión cultural que ha innovado en la gestión y que propone una visión original del arte de su tiempo. Es decir, del arte nuevo.

Sobre la base del fascículo N° 11 de la serie "Paseos que Enseñan", producido por Trocadero Gabinete DDiseño (El País, Montevideo, Agosto de 2008).
Concepto visual y diseño: Alejandro Sequeira.

Técnica mixta sobre cartón, Aldo Peralta, 1974.
(Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo)
Aldo
Entonces, ¿yo también puedo ser un artista? –fue la pregunta del vivaz adolescente, mientras observaba una pintura del salteño Aldo Peralta.
El jovencito había escuchado, con inusual atención, una anécdota contada por su viuda, Lacy Duarte, en el Museo de Arte Contemporáneo. Peralta fue un creador genial del siglo pasado, que evolucionó desde lo figurativo a lo abstracto. Murió muy joven, pero también logró mucho, muy joven. Cuando ganó su primer premio de pintura, era un niño que fue a recibirlo de pantalones cortos. Lacy trabajó en series de pinturas y objetos, tallas en madera, objetos de miga de pan, colchas de trapos (traperas), en instalaciones de contenido social que refieren a su origen, a la condición de la mujer y los niños en el campo, a las faenas rurales (Ceibos y panes, Bretes, Trampas, Venceduras, Traperas). Fue la mayor divulgadora de la obra de Aldo.

Aldo Peralta en el MAC, 2008.
(Alejandro Sequeira)
Aldo Peralta (1933-1978) es un pintor contemporáneo, así, en tiempo presente. “Su gran soltura de brazo hizo escuela, pero, como suele suceder, fue quedando en un injusto olvido, opacado por el posmodernismo”, afirmaba el marchand Enrique Gómez, curador de una muestra que en 2008 causó asombro y emoción a los visitantes del MAC.



Arte contemporáneo es la expresión de un creador que vive atento a su época.”
Octavio Podestá, escultor.
(MB Estudio Fotográfico)

El vuelo de Matías
Para él fue, y será, el día de su vida. Era invierno de 2006, viernes 11 de julio, cuando llegó al Museo de Arte Contemporáneo, donde estaba expuesto su dibujo. Unos días antes había estado allí con su clase, el cuarto año de la escuela 308, de Manga. Luego de una recorrida, la artista plástica Pilar González propuso a los visitantes que crearan figuras en base a un tema: la paloma. Pero, para Matías no fue fácil. Lo intentaba y lo intentaba. Se paraba, caminaba por el salón, volvía a sentarse.
La paloma de Matías.
(Archivo MAC)
No me sale una paloma, ¡me sale una gallina! –dijo después de tantos intentos, como hojas rotas. Pero la anfitriona insistió, con paciencia. –Matías, ¡quiero tu paloma, no una de la calle!
Minutos después presentó una hoja dibujada con cuatro líneas. Su trabajo –y los de sus compañeros– fue expuesto en una muestra: El niño y la paloma. Cuentan testigos que cuando Matías llegó a la inauguración, aquel viernes 11; se quedó mudo. Su dibujo ampliado y resaltado dentro de una mampara, dominaba el centro de la sala. Apenas un mínimo detalle era distinto al original: un ojo pintado de rojo para realzar su obra, que evocaba a Pablo Picasso. Los mismos testigos cuentan, que Matías lloraba de emoción. Pero también se mataba de la risa, porque fue, y será, el día más feliz de su vida.


Girasol candombeando,
técnica mixta,
Hugo Longa, 1974.
(Archivo MAC)
Sombrerito
Los museos de arte contemporáneo son muy atractivos, muy seductores, porque además de exhibir el trabajo de un autor; también cuentan su historia. Cuando el museo muestra sus fotos personales, su taller, sus paletas de pintar o su sombrerito, está informando como vive, o como vivió, de donde viene y hacia donde va su obra.”
Enrique Gómez, experto en arte moderno, marchand, asesor del MAC.

¿Un paraguayo?
¿Por qué no traés a un francés o a un norteamericano? –fue el comentario de un artista uruguayo a María Luisa Torrens, cuando en 1980 presentó una muestra de Carlos Colombino, arquitecto, escritor, coleccionista y por entonces director del Museo de Arte Contemporáneo de Asunción del Paraguay.
Una anécdota que la periodista suele recordar, respondida años después en el prólogo del catálogo que inauguraba la actual sede del MAC. “Ello demuestra el grado de colonización cultural que padece un gran sector del mundo artístico de nuestro país y la discriminación que existe entre las propias naciones del llamado Tercer Mundo.”

Arte
Es el conjunto de creaciones que expresan una visión sensible del mundo, sea real o imaginario. El arte expresa ideas o emociones a través de recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, y también percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos. Paras el primer Homo sapiens, el primer hombre, el arte tuvo una función ritual, mágica y religiosa, que cambió con el paso del tiempo hasta transformarse en un complejo lenguaje de la imaginación y la creatividad.

Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo
Llegando al MAC.
(Alejandro Sequeira, 2008)

Merece ser considerado un de los pioneros del actual modelo de gestión cultural abierta a la población. Concebido con la dirección artística de la periodista y crítica de arte María Luisa Torrens, desde entonces se propone expresar la diversidad del trabajo artístico y democratizar el acceso a la cultura, con una estrategia de difusión activa de su acervo patrimonial, de sus exposiciones y de sus actividades educativas.

El Museo de Arte Contemporáneo de El País es una institución creada para acompañar la innovación artística, que recoge una experiencia pionera de protección y difusión patrimonial. Desde un principio la idea estuvo en cada línea escrita por lo fundadores del diario –Washington Beltrán, Eduardo Rodríguez Larreta, Leonel Aguirre– pero fue otro pionero –Carlos Scheck– que un 17 de julio de 1958 inauguró el Centro de Artes y Letras (CAYL). Don Carlos había llamado a los arquitectos De los Campos, Puente y Tournier para reciclar los sótanos del edificio El País, de la Plaza Cagancha, mientras acordaba compartir la nueva sala con el Museo de Arte Modermo (MAM) de los famosos hermanos Jorge y Carlos Paez Vilaró.
Espacios contemporáneos.
(Alejandro Sequeira, 2008)
Un año y pocos días después fallecía Don Carlos; el puesto fue ocupado por Carlos Eugenio Scheck, su hijo, quien continuó con la diaria tarea de divulgar las artes. Las iniciativas se multiplicaron cuando María Luisa Torrens organizó la Feria de Artes Plásticas de la Plaza Libertad, para difundir a los maestros uruguayos: José Cúneo, Maria Freire, Nelson Ramos, Carlos Páez, el ceramista Marcos López Lomba, entre tantos. En aquella primera etapa hubo dos muestras memorables. El español Antonio Tapies, cultor del Informalismo, pasó por el CAYL para revelar hasta donde la materia puede ser utilizada como impensado medio expresivo, y también allí fue exhibida la Colección Di Tella con grandes maestros europeos: Paul Cézanne, Auguste Renoir, Paul Gauguin y una enorme escultura en bronce del británico Henry Moore, con la que jugaban los niños pasando por sus huecos.
La década de 1960 fue de nuevas vanguardias: Happening, Body Art, Performances, Instalaciones y mucho Pop que encantaba a los jóvenes, pero que no convencía a los, por entonces, patronos de la cultura nacional. El Centro de Artes y Letras de El País fue cerrado en 1966, en el fragor de esa lucha, pero, en su lugar se creó el Teatro del Centro, remodelado por los arquitectos Mezzotoni y Scheck.
Figura, técnica mixta,
Hugo Nantes, 1987.
(Archivo MAC)
Así pasaron catorce años, hasta que en 1980 renació el espíritu del inolvidable CAYL de Don Carlos, ahora renovado y renombrado: Museo de Arte Contemporáneo. Su primer director ejecutivo fue Daniel Scheck, también coleccionista de arte y con el mismo impulso innovador para realizar la I Bienal del Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol en el arte”; una propuesta que reconocía una verdad incuestionable pero que entonces no era admitida en los círculos cultos: el fútbol es el más entrañable patrimonio de los uruguayos.
El 14 de setiembre de 1997 fue la fecha señalada, para inaugurar un nuevo ámbito de gestión cultural; en una cuadra histórica, repleta de la mejor arquitectura, pero eclipsada por la caída de las grandes tiendas, de los cines y el declive de los bares céntricos. Ese día el Museo de Arte Contemporáneo se mudaba al segundo piso de la Casa de los Rurales, de 18 de Julio 965, entre Río Branco y Julio Herrera y Obes. La planta fue transformada en un ambiente único, diseñado especialmente para una institución distinta a las tradicionales. Mauricio Mezzotoni, Fernando Olivera y el arquitecto Rodrigo Olivera, le dieron al Art Nouveau original, una nueva forma, una nueva luz, una nueva textura. María Luisa Torrens concibió en su entrada un “Espacio Mercosur”, hoy ampliado a “Espacio Latinoamericano”. La sala principal es un laberinto simple, que se disfruta mientras se lo desentraña; que combina colores neutros en las paredes y oscuros en el piso, para acoger una magnífica diversidad de obras y de autores de nuestro tiempo.
Naturaleza blanca y rosa,
acrílico y tinta sobre tela,
Amalia Nieto, 1976.
(Alejandro Sequeira)
Tenemos un espacio pensado y realizado para un museo moderno, preparado para recibir visitantes de manera tradicional, pero también para convocar a escuelas y liceos, a las que no esperamos, sino que vamos a buscar”, afirma su directora ejecutiva Claudia Vidal Scheck.
Nuestros invitados tienen la oportunidad de acercarse a un museo de escala humana: observan, investigan, dialogan sobre las artes, los artistas y sus obras”, cuenta Pilar González, responsable de las charlas de sensibilización que cada tarde comparten niños y jóvenes de todo el país. Una propuesta educativa original que permanece abierta todos los días, de domingo a domingo.

MUVA
El Museo Virtual de Artes y su publicación Arte son iniciativas culturales del diario El País que aseguran la continuidad de un propósito: divulgar la producción nacional de pintura, escultura y letras. Ambos son dirigidos por la docente, periodista, curadora artística, historiadora y crítica de arte Alicia Haber.
MUVA: http://muva.elpais.com.uy/
Revista Arte: http://arte.elpais.com.uy/

Portada del fascículo MAC,
serie Paseos que Enseñan.
(Alejandro Sequeira)
INFO
Ciudad: Montevideo
Barrio: Centro
Ubicación: 18 de Julio 965, piso 2
Teléfono: 29006662 / 29022942
Correo Electrónico: museomac@elpais.com.uy
¿Cómo llegar? Todas las líneas de ómnibus que pasan por el Centro.
Visitas. Lunes de 14 a 18.30 y martes a domingo de 14 a 20. La entrada es gratuita. Las charlas de sensibilización artística se realizan dentro de estos horarios y deben ser agendadas con anticipación, por teléfono o correo electrónico.

El MAC tiene una colección de libros y catálogos, sobre autores, obras y exposiciones, que pueden ser consultados o adquiridos, los siete días de la semana.

Guernica, óleo sobre lienzo, símbolo
del Cubismo, ícono artístico y
político del siglo XX. Fue pintado
por Pablo Picasso entre mayo y
junio de 1937, por pedido de la
II República Española. La obra
de 777 por 349 centímetros,
en blanco y negro y una amplia
gama de grises, es interpretada 
como una denuncia del bombardeo
aéreo de la localidad vasca,
por orden de Francisco Franco.
Todavía es objeto de polémicas
porque no posee referencias
explícitas al ataque que
dejó un saldo de 126 muertos.
(Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía, Madrid)
Arte Contemporáneo
Es el hecho creativo que se desarrolla en tiempo presente, en nuestra época. También es la suma de corrientes originadas a principios del siglo pasado que se trasmiten hasta la actualidad por la intervención de museos, centros culturales, galerías de arte, medios de comunicación. Aunque el término se refiere a todas las artes –pintura, escultura, arquitectura, música, letras– es mejor reconocido a través de la plástica. Los primeros grandes pintores contemporáneos fueron: Henri Matisse, iniciador del fauvismo francés; Basili Kandinsky, autor de la primera obra abstracta conocida y Marcel Duchamp, líder de los jóvenes rebeldes que crearon el Dadaísmo que desafió la tradición figurativa clásica. Por su talento e influencia podría sumarse el español Pablo Picasso, notable exponente del Cubismo que también marca una seña de identidad actual. Después de la Segunda Guerra Mundial (1939–1945) florecieron nuevas vanguardias artísticas y desde entonces se multiplicaron los centros dedicados a su preservación y exposición. El Museo de Arte Contemporáneo de El País mantiene esta concepto por haber sido especialmente creado para acompañar la innovación. Es un espacio cultural distinto, que recoge una experiencia pionera de protección y difusión patrimonial. 
Pablo Picasso y
Carlos Páez Vilaró,

Francia, 1957.

"La pintura es un instrumento ofensivo y defensivo contra el enemigo."
Pablo Picasso, poco después de finalizar el Guernica, estrenado en la Exposición Internacional de París 1937 para promover la causa republicana en la Guerra Civil Española.

Retrato de Denis Hooper,
aceite, bondo, cera y platos
de cerámica sobre madera

(184.1 x 153.6 x 12.7 cm), 
Julian Schnabel, 1999.
Posmodernismo
Para varios autores es la tercera etapa del Arte Contemporáneo, surgida en 1968 como respuesta a los cambios políticos, sociales y culturales de fines del siglo pasado. El nombre se refiere a los movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos, definidos por su oposición o superación del modernismo. Algunos ejemplos: Arte Povera, Nuevo Realismo Francés, Arte Conceptual o Minimalista, Expresionismo Abstracto.

BIO
MARÍA LUISA TORRENS
Montevideana multifacética, periodista, docente, gestora cultural, fue la primera directora artística del Museo de Arte Contemporáneo, quien le dio su nombre y un carácter moderno y abierto a la diversidad de nuevos autores y nuevas corrientes plásticas. Fue profesora de Historia del Arte, jurado de bienales internacionales, crítica de arte del diario El País, conductora de programas televisvos. En 1980 dirigió la 1ª Bienal Internacional del Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol en el Arte”, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y al siguiente organizó la Bienal de Grabado Iberoamericano. Fue directora de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, entre 1990 y 1995, y del MAC entre 1980 y 2002.


Nico Barcia, 2008.
Es menester democratizar la cultura, ha dicho alguien en frase compendiosa y feliz. Que no solo la élite que ha visitado museos europeos o pasado por aulas universitarias, sea la que conozca las obras maestras. El arte debe llegar al corazón de las multitudes.”
Pasaje del artículo “Democratizar la cultura”, publicado en la portada del primer número del diario El País, 14 de setiembre de 1918.

Desde un principio nuestro museo se preocupa por descubrir a los artistas jóvenes y por recuperar a los artistas olvidados. Nuestro primer compromiso es preservar la memoria de los creadores uruguayos y latinoamericanos.”
Claudia Vidal Sheck, directora ejecutiva del MAC.


Pilar González en una charla
de Sensibilización Artística.
(Alejandro Sequeira, 2008)
Sensibilidad
“El paso por las salas es de total libertad, a veces hay 50 o 60 niños, cada uno con sus intereses. Tratamos de provocar una sensación de cercanía. Charlamos de todo, largo y tendido, del arte que ellos conocen y del que nosotros conocemos: la televisión, el cine, los monumentos, los edificios, de lo que vemos cada día en nuestra casa, en nuestro barrio, en la escuela. Luego les explicamos que un museo de arte contemporáneo es distinto a los otros, porque tiene muchas obras de gente que está viva, con la que pueden charlar. Y así, cuando nos ponemos a dibujar, todos juntos, seguro que ya se fue el miedo al aburrimiento.”
Pilar González, responsable de las Charlas de Sensibilización Artística del MAC.

Catálogo de la Exposisión
del pintor madí
Bolívar Gaudín, 1999.
500
Es la cantidad de obras propias del Museo de Arte Contemporáneo de El País, pero son más las que preserva y comparte con sus visitantes, en su espacio de 325 metros cuadrados. La institución posee creaciones de José Pedro Costigliolo, María Freire, Amalia Nieto, Miguel Ángel Pareja, Vicente Martín, Alfredo Testoni, Hugo Longa, Águeda Dicancro, Nelson Ramos, Jorge Páez, Octavio Podestá, Hugo Nantes, Manuel Pailós, Luis Solari, Clever Lara, Jorge Damiani, Ignacio Iturria, Óscar García Reino, Enrique Silveira, Jorge Abbondanza, entre tantos.

Abstracto
Primera acuarela abstracta,
49,6 por 64,8 centímetros
Vasili Kandinsky, 1910.
(Centro Geoorges Pompidou, París)




Es el estilo nacido en la década de 1910 que realza aspectos cromáticos, formales y estructurales, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin imitar modelos o formas naturales. Surgió como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Fue una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Su pionero fue el ruso Basili Kandinsky, autor de una obra que cambió la historia de la pintura: Primera acuarela abstracta.

The Key (La Llave), óleo en lienzo,
Paul Jackson Pollock, 1946.
(Instituto de Arte de Chicago)
¿Qué es?
Arte Contemporáneo es la pintura, la escultura y la arquitectura del siglo XX. Como corriente nació en la década de 1910, luego de conocida la obra del pintor ruso Vasili Kandinsky, precursor y líder de la abstracción y el primero que expuso una acuarela abstracta. Fue una revolución artística, porque hasta ese momento la pintura era figurativa, representaba figuras del mundo que se podían reconocer fácilmente: un rostro, un paisaje, una escena con personas. Pero también es el arte del presente. Cada momento del mundo tuvo su arte contemporáneo. El Renacimiento fue contemporáneo de quienes vivieron en el siglo XVI, el Barroco lo fue del siglo XVII, el Impresionismo de fines del siglo XIX.”
Pilar González, artista plástica.

MAC
Logo en la puerta del MAC.
(Alejandro Sequeira)
El logo del Museo de Arte Conemporáneo de El País fue creado en 1997 por Punto Publicidad, ganadora de un concurso creativo que convocó a las principales agencias. Para María Luisa Torrens es un símbolo de la diversidad cultural y estética, y una forma de sintetizar formas artística contemporáneas. Las tres letras del isotipo están realizadas en distintas fuentes gráficas, sobre colores primarios.

Fuente (Ready made),
porcelana de 33.5 cm,
Marcel Duchamp.
Corrientes
Fauvismo. Movimiento francés que en la primera década del siglo XX sustituyó al Impresionismo, agregando un fuerte colorido y trazos muy marcados. George Braque y Henri Matisse fueron sus más emblemáticos integrantes.
Cubismo. También desarrollado en Francia, entre 1907 y 1914, trató las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Sus principales exponente: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
Expresionismo. Movimiento estético y artístico surgido en Alemania, en 1911, en concordancia con el fauvismo francés, que pretendía dar al observador una visión de los sentimientos del artista. Sus figuras más conocidas: August Macke, Paul Klee, Franz Marc.
Nu assis sur un divan
(La belle romaine). Desnuda
sentada en un diván
(La Bella Romana). 

Amedeo Modigliani, 1917.
Vendido en 60  millones
de dólares, en 2010.
(Archivo Sotheby's)
Dadaísmo. Manifestación intelectual y artística de protesta contra el arte tradicional surgida en 1916, en la ciudad suiza de Zurich. Sus seguidores se declaraban revolucionarios “antiarte” y se burlaban de las convenciones plásticas, musicales y literarias. Trustán Tzara fue su creador y Marcel Duchamp su más famoso seguidor.
Surrealismo. Tendencia estética, artística y literaria, iniciada en Francia a partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX. Su manifiesto fue elaborado en torno a la personalidad del poeta André Breton. Los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la importancia de los sueños en la creación artística. Algunos de sus cultores: Marx Ernst, Salvador Dalí, René Magritte.
Futurismo. Escuela italiana de vanguardia fundada el 20 de febrero de 1909, por el intelectual Filippo Tommaso Marinetti. Los futuristas desarrollaron un Cubismo “dinámico”, interesados por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición de líneas e imágenes. Algunos de sus seguidores: Gini Severini, Humberto Boccini, Carlo Cará y Giacomo Balla.
Coca-Cola 4, creada en
1962 por Andy Warhol,
forma parte de un
grupo de lienzos en los
que el pintor transformó
un producto cotidiano
en un ícono del
arte contemporáneo
y de posguerra.
Constructivismo. Tendencia artística y arquitectónica que surgió en Rusia en 1914 y se afianzó después de la Revolución de Octubre de 1917. Es un concepto frecuente en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento social. Algunos artistas asociados: Leo Breuer, Naum Gabo, El Lissitzky, László Moholy-Nagy. Su figura mayor fue el arquitecto ruso Konstantín Stepanovic Mélnikov.
. Corriente artística creada por Piet Mondrian en 1917, que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio, utilizando de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios. El más cercano alumno de Mondrian fue Theo van Doesburg.
Mirada y mà, 2003,
Antoni Tàpies i Puig.
Pop Art (Arte Popular). Movimiento surgido a finales de la década de 1950, en Inglaterra y Estados Unidos, que se caracterizó por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de los medios masivos de comunicación: prensa, radio, televisión, cine. El nombre fue utilizado por primera vez en 1958, para definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi. Su más recordado exponente fue el estadounidense Andy Warhol.
For the Love of God
(Por el amor de Dios),
cráneo con incrustaciones
de diamantes,
Damien Hirst, 2007.
Happening. Del inglés: hecho o suceso, es una manifestación artística multidisciplinaria, surgida en la década de 1950, caracterizada por la participación del público. Los artistas “happening” producen una obra sin interés en su forma y contenido, sino en el suceso a organizar y en la participación de los espectadores, para que se liberen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. La primera obra happening se llamó Theater piece Nº1, y fue realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College de California, Estados Unidos.

El artista es un pararrayos que capta todas las ideas de su sociedad y que las expresa con el lenguaje de su tiempo.”
Bolívar Gaudín, pintor uruguayo, exponente del Arte Madi, asesor del Museo de Arte Contemporáneo del El País.

Vasili Kandinski,
el primer abstracto.
Artistas contemporáneos
Vasili Kandinsky (1866-1944). Pintor ruso y teórico del arte, creador de la abstracción lírica, precursor del Abstraccionismo e iniciador de la etapa conocida como Arte Contemporáneo.
Henri Matisse (1869-1954)Dibujante, pintor, grabador, escultor, fundador del Fauvismo, conocido por su uso del color y del dibujo.
Piet Mondrian (1872-1944). Pintor abstracto holandés; fundador del Neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
Piet Mondrian.
Paul Klee (1879-1940)Pintor abstracto suizo, líder del Expresionismo, cuyo estilo se desarrolló entre el Surrealismo y el Arte Abstracto.
Carlo Carrà (1881-1966)Pintor y teórico del arte italiano, líder del movimiento Futurista.
Pablo Picasso (1881-1973). Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso. Pintor y escultor español, fundador del Movimiento Cubista, acompañado por Juan Gris y Georges Braque. Pacifista declarado fue militante del Partido Comunista hasta su muerte, a los 91 años, en el exilio francés de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues, en la localidad de Bouches-du-RhonePara muchos críticos, la mayoría, fue uno de los mayores sino el mayor plástico del siglo XX.
Paul Klee.
Amedeo Modigliani (1884-1920). Pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París, en su tiempo la vanguardia del arte mundial. Para los expertos fue el más genial y el más inspirado de los modernos pintores europeos.
Marcel Duchamp (1887-1968). Francés, líder del Dadaísmo, referente de la vanguardia del siglo XX, precursor del Arte Contemporáneo, con Basili Kandinsky.
Max Ernst (1891-1976). Artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento Dadá como en el Surrealismo. Fue un experimentador infatigable, que utilizó una diversidad de técnicas, estilos y materiales. Sus trabajo buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños.
Amedeo Modigliani.
Rene Magritte (1898-1967). Pintor surrealista belga, creador del Realismo Mágico.
Salvador Dalí (1904-1989). Pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español, nacido en Málaga, destacado exponente del Surrealismo junto con su compatriota Joan Miró.
Paul Jackson Pollock (1912-1956). Fue un influyente artista estadounidense, líder y referente del Expresionismo Abstracto. La crítica, en forma casi unánime, lo considera el mayor plástico de su país en el siglo XX.
Antonio Tàpies i Puig (1923-2012). Pintor catalán, escultor y teórico del arte. Sus primeras obras se enmarcaban en el Surrealismo, pero pronto evolucionó hasta transformarse en un referente mundial del Informalismo. Se lo considera un precursor del Arte Povera, por su utilización de materiales pobres, de reciclaje y desecho, cuerdas, papel, polvo de mármol, aunque su "Pintura Matérica" es un concepto diferente a la corriente de origen italiano. 
René Magritte.
Andy Warhol (1928-1987). Pintor, diseñador, cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art, que utilizó temas e imágenes de los medios de comunicación en las artes visuales.
Julian Schnabel (1951). Pintor estadounidense de origen judío, cultor del Neoexpresionismo y líder del movimiento Pintura Mala (Bad painting). Como director de cine  realizó tres películas: Basquiat, Antes que anochezca y La escafandra y la mariposa. Ganó la Palma de Oro de Cannes y fue nominado en los Globos de Oro, Premios BAFTA, en los César y en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Como plástico adquirió notoriedad por sus "Pinturas con con platos" (Plate painting). 
Jackson Pollock.
Erwin Wurm (1954). Escultor austriaco moderno que cambió la forma del moldear el cuerpo humano.
Damien Hirst (1965). El más promocionado artista inglés de la actualidad, líder del grupo llamado Grupo de Jóvenes Británicos (Young British Artists) y el creador vivo con la obra mejor pagada del mundo.


Peggy era asidua nota de
las revista más
prestigiosas del mundo.
(Archivo  Life)
Peggy Guggenheim (1898-1979)
No era artista, al principio ni siquiera sabía distinguir entre abstracto y surrealismo, pero durante más de medio siglo fue la más influyente  coleccionista y mecenas estadounidense de arte. Nacida en Nueva York, se llamaba Marguerite, hija de Benjamin Guggenheim, un magnate judío de origen suizo-alemán, que murió en el Titanic, y de Florette Seligman también judía, pero alemana-holandesa. 
Marcel Duchamp.
Su tío Salomón creó la Fundación Guggenheim, para ella fascinante. Así conoció a Marcel Duchamp que le enseñó todo lo que necesitaba como iniciada en el mundo de los coleccionistas de arte.El 12 de junio de 1940 estaba en París, dos días antes de la invasión nazi a Francia. El horror se instalaba mientras ella huía a la sureña ciudad de Grenoble. Fue cuando algunos pintores le solicitaron auxilio para escapar. Entre ellos, el fugitivo de un campo de concentración: Max Ernst. Juntos se fueron a Marsella donde nació un amor apasionado y juntos, en julio de 1941  viajaron a Nueva York. Ella de regreso a casa, él como exiliado.
En 1941 regresaba a Estados Unidos
con un exiliado del nazismo, que
pronto fue su esposo: Max Ernst.
(Archivo Life)
Dos años después Peggy publicó un aviso en la revista Art Digest, en busca de nuevos talentos. Así conoció a Jackson Pollock. A primera vista no le gustó la obra de aquel extraño joven, por su "absoluta falta de disciplina", pero Piet Mondrian tenía otra opinión. "Donde tú ves 'falta de disciplina' yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda." Ella le hizo caso.
Ese mismo año se separó de Ernst y en 1947 cerró su célebre Galería Art of This Century. De regreso a Europa se radicó en Venecia, una ciudad que le encantaba, que la declaró "Ciudadana Ilustre".
Marguerite Peggy Guggenheim murió por una apoplejía en Padua. Fue enterrada en el jardín de su mansión veneciana, cerca de sus perros.

José Clemente Orozco.
Joaquín Torres García (1874-1948). Pintor, escultor, juguetero, pensador, docente, escritor uruguayo, fundador del Universalismo Constructivo y de la Escuela del Sur, líder del mayor movimiento contemporáneo sudamericano.
José Clemente Orozco (1883-1949). Muralista y litógrafo mexicano, graduado en la Escuela Nacional de Agricultura de su país y que más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico. Su estilo heroico se basa en un realismo expresionista, con toda conciencia ligado a las antiguas tradiciones artísticas aztecas, de violento dinamismo y elevada calidad.
Frida Khalo y Diego Rivera.
Diego María Rivera (1886-1957). Muralista que evolucionó del academicismo a la vanguardia latinoamericana de dramático contenido social. De ideología comunista, fue una celebridad mundial en su tiempo por sus obras en edificios públicos.  Fue creador de murales en el centro histórico de la Ciudad de México, en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades como Cuernavaca y Acapulco. También produjo fuera de su país: San Francisco, Detroit y Nueva York. Fue el padre del denominado Renacimiento Mexicano con sus compañeros: José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo.
David Siqueiros.
David Alfaro Siqueiros (1896–1974). Su verdadero nombre era José de Jesús Alfaro Siqueiros, muralista, militar y revolucionario mexicano. Fue uno de los tres exponentes mayores del muralismo, contemporáneo de Diego Rivera y José Clemente Orozco, con quienes compartió una sensibilidad expresionista que anticipó las tendencias neorrepresentativas o neoicónicas de la década de 1960.
Frida Kahlo (1907-1954). Pintora surrealista mexicana, la más notable de América Latina; formó con su esposo, Diego Rivera, la más célebre pareja de artistas plásticos latinoamericanos del siglo pasado.
Cándido Portinari.
Oswaldo Guayasimín (1919-1999). Muralista y pintor ecuatoriano de grandes formatos, un expresionista latinoamericano que se dedicó a los temas indígenas y a la denuncia social contra la violencia y las dictaduras.
Cândido Portinari (1903-1962). Fue un notable pintor brasileño contemporáneo, nacido en una plantación de café, que retrató la pobreza y la injusticia que sufren los campesinos de su país, a quienes describía como "pies deformes, que pueden contar una historia, semejantes a los mapas con montes, valles, ríos y caminos".
Oswaldo Guayasimín.
Benito Quinquela Martín (1890-1977). Fue un popular pintor argentino, nacido en La Boca, Buenos Aires. Sus cuadros, de notable color y composición, muestran la actividad, el vigor y la rudeza de la vida portuaria. En la década de 1950 creó la calle "Caminito", una antigua vía de ferrocarril transformada en museo al aire libre, para favorecer a los artistas y artesanos de su barrio.
Rubén Grau (1959). Pintor, dibujante y escultor argentino, líder del Conceptulismo Latinoamericano. 
Gabriel Orozco (1962). Artista conceptual mexicano, hijo del muralista Mario Orozco Rivera quien fuera discípulo de David Alfaro Siqueiros. Es uno de los plásticos latinoamericanos más influyentes del fin de siglo pasado y  principios del actual, por sus técnicas de exploración que incluyen video, dibujo, fotografía, escultura y la performance artística.

ENTREVISTA
Pilar González, pintora, docente, gestora cultural
Un museo de arte contemporáneo es un espacio vivo”
¿Cómo nace un artista?
Es algo natural. Algunas personas nacen con virtudes para crear, con talentos y necesidades, pero cada uno lo expresa distinto: escribiendo, cantando, actuando, pintando. Me acuerdo que en la escuela mis mejores notas eran en dibujo. Las maestras llamaban a mi madre para mostrarle lo que había dibujado. Cuando había que hacer algo a fin de año: allá iba Pilar. Pero el artista también debe trabajar, estudiar, no rendirse frente a los problemas y las dificultades. Yo dibujaba todo el tiempo, pero en mi casa lo veían como algo normal, como mi pelo oscuro o mis ojos marrones. Así fue pasando el tiempo, luego me casé, tuve hijos y seguí dibujando, pero sin proponerme ser una pintora. Pero llegó un momento, ya mayor, que tuve la necesidad de hacer arte, y entré en el taller de Eduardo Fornisari. Para mí fue empezar una nueva vida, que me hace muy feliz. Por eso siempre le digo a los chicos que visitan el museo, que nunca abandonen sus sueños, porque si perseveran, seguro que los van a cumplir.

¿Cuándo se sintió artista?
Cuando me di cuenta que además de mi virtud natural para el dibujo, también tenía técnica para pintar obras que otros iban a ver o para hacer ilustraciones que me publicaban revistas. Creo que los artistas plásticos somos distintos a quienes hacen otras artes: el escritor se expresa en el papel, con la palabra, el actor con su cuerpo, con sus gestos, el cantante con su voz y el plástico también, pero se protege detrás de su obra. Por ejemplo, hay muchos colegas que parecen muy tímidos, pero que expresan su carácter con mucho color, con figuras poderosas; porque tienen algo muy fuerte adentro, que sale al exterior cuando pintan. Lo primero que debe tener el artista es algo que comunicar, algo personal, que ninguna otra persona puede decir, pero, además debe tener calidad técnica, que se aprende en años de formación.

¿Qué tiene de distinto un museo de arte contemporáneo?
Es mucho más vivo, más diverso, hasta más divertido. Los museos tradicionales eran depósitos de obras, aburridos, pero, gracias al vigor de los museos de arte contemporáneo también comenzaron a cambiar, se modernizaron. En el MAC hay mucha luz, hay espacios, hay áreas para dialogar, y no solo de pintura o escultura. Claro que se muestra la obra del artista, pero también se cuenta como vive o como vivía, su pueblo, su casa, su familia. Es una información muy importante. Recuerdo una revisión y exposición (en 2007) de la obra del escultor Antonio Pena, muerto a mediados del siglo pasado. Su trabajo estaba un poco abandonado, pero se lo rescató, se lo recuperó y se mostraron objetos de su vida. Así trabaja un museo de arte contemporáneo.

Otras visiones de la vida y el Hombre,
intervención en vidrio y cristal,
Águeda Di Cancro, 1997.
 (Archivo MAC)
Otras visiones de la vida y el hombre
La obra de Águeda Dicancro da una fascinante bienvenida a los visitantes del Museo de Arte Contemporáneo del El País. Está puesta allí para contar una historia, tallada en vidrio y metal, que tiene un argumento, pero que también recibe infinitas interpretaciones y tantos finales como observadores.
Dicancro es una artista uruguaya de prestigio internacional. "Un monstruo sagrado de la artesanía", como la define la crítica María Luisa Torrens. Tan conocida y tan apreciada, que basta decir su nombre para que en el mundo del arte se sepa que se trata de ella: Águeda.
Detalle de "Otras visiones...".
(Archivo MAC)
Desde 1970 trabaja con el vidrio como camino expresivo, que se funde con metales y otros materiales. Paradójicas creaciones que combinan fragilidad, transparencia, y la inmaterialidad del cristal, con una carga de fuerza y vigor. La serie Otras visiones de la vida y el hombre fue realizada en 1997, para la inauguración de la nueva sede del MAC.


Gran Cactus, escultura
en hierro y madera,
Octavio Podestá, 1993.

(Alejandro Sequeira)
Gran Cactus
El hierro y la madera son materiales nobles con los que trabaja Octavio Toto Podestá (1929), desde sus inicios, hace casi medio siglo. Desde entonces el escultor montevideano, hijo dilecto del histórico barrio La Blanqueada, investiga una diversidad de figuras, texturas, colores, utilizando elementos de desecho, que recupera, transforma, dignifica. Podestá es un maestro de la técnica mixta, que modifica pedazos de troncos y metales, para darles una forma creativa por la forma misma. Fue el primer uruguayo que incorporó movimiento real a la escultura.

Toto
"Es un veterano docente y un joven pujante, un antiguo conocedor del oficio y un niño que juega, un artista serio por elección y un hombre de risa frecuente; dueño de una humildad natural."
Pilar González.

Rectángulos CXXVII,
acrílico sobre tela
de un metro por
un metro, 1973.
José Pedro Costigliolo (1902-1985)
Montevideano, investigador de la pintura, precursor de la estética no figurativa uruguaya, fundador del Grupo de Arte No-figurativo en 1952, e iniciador del Movimiento Concreto en 1955. Su obra se caracteriza por la simplicidad geométrica y por una notoria influencia de los constructivistas rusos y los neoplasticistas holandeses.
Su creatividad está presente en el MAC, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Juan Manuel Blanes, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Córdoba 452, acrílico
en tela, 2 X 1.20, 1970.
María Freire (1917)
Pintora y escultora montevideana, alumna de José Cúneo y Severino Pose. Su obra pasó por una etapa de exploración escultórica indeterminada entre lo espacial y lo tridimensional, y evolucionó hacia lo abstracto hasta ser protagonista de la abstracción dura en el Uruguay. Sus trabajos se encuentran en museos de uruguayos, brasileños, españoles, y en colecciones privadas, compatriotas y extranjeras.

Sín título, esmalte sobre
tela, 1.76 X 1.27, 1976.
Vicente Martín (1911-1998)
Artista abstracto, nacido en Buenos Aires, considerado uruguayo por formación y trayectoria. Fue alumno de Guillermo Laborde y Joaquín Torres García, pero admiraba el estilo “vibracionista” de Rafael Barradas. Su pintura se basa en la curiosidad estética y en la transformación de temas en aparciencia comunes, en imágenes que llaman la atención al observador. Su obra se encuentra en museos y colecciones privadas de todo el mundo.

Tabaré, técnica mixta
en acrílico y madera,
0.63 X 0.63 X 1, 1999.
Bolívar Gaudín  (1932)
Artista geométrico de prestigio internacional que ha realizado exposiciones en Francia, Italia, España, Suiza y Alemania. Su presencia es permanente en la Argentina, Brasil y nuestro país. Nacido en Salto, en 1967 se radicó en París, donde se vinculó con las vanguardias artísticas europeas y en 1983 adhirió al Movimiento Madí, fundado en Buenos Aires por el también uruguayo Carmelo Arden Quin. En la actualidad, tiene una muestra permanente en la famosa galería parisina Orión.

Las obras de Bolívar son verdaderos hallazgos que se presentan como un retorno a los principios primordiales que permiten al espectador, lejos de ilusionismo y de 'sombras', recuperar ese 'cuerpo' diáfano que sigue siendo el origen de todos los enigmas de la visión."
Raúl Santana, poeta, escultor y crítico argentino, ex director del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Multitud, serigrafía,
0.75 X 1.10, 1981.
Alfredo Testoni (1919-2003)
Para muchos fue el mayor fotógrafo uruguayo del siglo pasado, testigo periodístico y artístico de hechos que marcaron al país y al mundo. Como alumno del italiano Gino Lugli, su debut en la imagen, a los veinte años, fue en un eposodio de la moderna historia universal: el hundimiento del barco alemán Graf Spe, frente a la costa montevideana, en 1939. Fue fotógrafo del taller Torres García, reportero gráfico de los diarios La Mañana y El Diario, corresponsal de las revistas estadounidenses Time y Life, secretario de la Comisión Nacional de Bellas Artes y fundador del "Grupo 8" en 1959.
También fue un serigrafista que incorporó la foto a las artes plásticas, casi siempre atraído por muros, fachadas antiguas, materiales que quedaban del revoque. Sus obra está presente en el MAC, en el Museo Nacional de Artes Visuales, Museo Juan Manuel Blanes, Museo Municipal de San José, Museo Municipal de Salto, Edificio Libertad, Banco Central, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Instituto de Cultura Hispana de Madrid, Instituto de Artes Visuales de la OEA, en Washington, Museo Municipal de Kyoto, Japón.

Estancia, papel encolado
óleo, 0.90 X 0.73, 1979.
Jorge Damini (1931)
Es uno de los grandes pintores uruguayos contemporáneos, aunque nació en la localidad italiana de Nervi, hijo del barítono Víctor Damiani. La mayor parte de su obra combina paisajes americanos con la pintura metafísica italiana. Hace habitar la tierra dentro de cubículos que hacen pensar en el cristianismo primitivo y que buscan un sentido cósmico. Está presente en museos de Montevideo, Buenos Aires, Caracas, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Washington, Nueva York.

Constructivo con brújula,
Joaquín Torres García, 1932.
Vibracionismo, Universalismo Constructivo, Planismo, Madi
Son corrientes contemporáneas concebidas por la creatividad de artistas uruguayos. En su primera exposición individual, de 1917, nuestro compatriota Rafael Barradas llamó la atención del público de Barcelona, con sus figuras que parecían poco nítidas pero que a su vez permitían reconocer al retratado; y por una temática expresada con sentido del humor, como buen caricaturista que también era. Barradas era tan divertido, que cuando se presentaba daba su nombre, su nacionalidad y su profesión: pintor vibracionista. Una alusión directa al Vibracionismo, porque así llamó a su original estilo.
Retrato de Antonio,
Rafael Barradas.
Su gran amigo en tierras catalanas fue Joaquín Torres García, el gran líder del arte nacional contemporáneo, que propuso una vanguardia sudamericana y la búsqueda de un lenguaje universal que miraba al sur del continente. Su teoría artística, el Universalismo Constructivo, fue seguida por quienes admiraron su notable Escuela del Sur y por sus alumnos del Taller Torres García: José Gurvich, Gonzalo Fonseca, Julio Alpuy, Augusto y Horacio Torres, entre tantos.
Recreo, de Petrona Viera.
(Museo Blanes)
Planismo es el carácter que adquirió la pintura uruguaya entre 1920 y 1940, siguiendo a los post–impresionistas Paul Gauguin y Henri Matisse. Sus temas fueron diversos: juegos infantiles, retratos familiares, paisajes y desnudos, óleos, en los que se destacan el color, la luz y el movimiento de los cuerpos. La mayoría de los pintores de aquella época pasaron por una experiencia planista, entre ellos: José Cúneo, Carmelo de Arzadun, Humberto Causa, César Pesce Castro, Alfredo de Simone, Domingo Bazzurro, Guillermo Laborde, Melchor Méndez Magariños, Andrés Etchebarne Bidart, y la genial Petrona Viera.
Pastoral de los niños,
Carmelo de Arzadum.
Madi es un movimiento abstracto iniciado en 1946 por el uruguayo Carmelo Arden Quin, acompañado por otros artistas: Juan del Prete, Martín Blaszko, Gyula Kósike, Rhod Rothfuss, Waldo Longo. El grupo dio a conocer, en Buenos Aires, un manifiesto que explicaba porque su pintura suprimió toda referencia a la realidad. Actualmente cuenta con unos 60 integrantes: pintores, escultores y músicos que trabajan en Francia, Italia, Bélgica, España, Hungría, Japón y el continente americano.

Composición, óleo
sobre cartón, 1945.
El principio de Madi es esencialmente una pintura geométrica, poligonal; con colores netos, sin valores, completamente planos, que rompen, como decimos nosotros, con esa dictadura del rectángulo.”
Carmelo Arden Quin (Rivera, 1913-2010), en entrevista concedida a El País.

He dicho Escuela del Sur; porque en realidad nuestro norte es el Sur... La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente al Sur, nuestro norte.”
Joaquín Torres García (1874–1949), en conferencia de la Asociación Cristina de Jóvenes, 1935.

Construcción Salamanca,
bronce, 0.45 x 0.35 x 0.70,
María Freire, 1971.
La pintura moderna es plana.”
Eduardo Dieste (1881–1954), pintor, crítico y escritor gallego radicado en Uruguay, creador del término Planismo.

Soy autodidacta, hijo de un pintor de naturalezas muertas, de quien aprendí como se mojan y como se secan los pinceles.”
Rafael Pérez de Barradas (1890–1929), en la revista Alfar de Madrid, donde frecuentaba a su colega Salvador Dalí, al cineasta Luis Buñuel y al escritor Federico García Lorca.


Autorretrato,
Petrona Viera.
Petrona Viera (1895–1960)
Fue hija de un presidente, Feliciano Viera, de los políticos más influyentes de principios del siglo anterior. Aún así debió luchar más que sus colegas para ganarse un lugar en las artes plásticas, por entonces, un mundo muy masculino. Pero hubo más: a los dos años había quedado sorda por una meningitis que, después se verá, para nada afectó su sensibilidad.
Fue, quizá, la más clara exponente del Planismo aprendido con su maestro: Guillermo Laborde. También fue ilustradora y grabadora, una técnica que conoció en la Universidad del Trabajo del Uruguay. Comenzó a exponer en 1926, al principio en salones femeninos y pequeñas muestras colectivas del Círculo de Bellas Artes, pero su creatividad trascendió rápidamente ese ámbito. Sus temas fueron tan comunes, óleos en su mayoría, como originales sus colores, sus luces y el movimiento de sus cuerpos.

Autorretrato, 1893.
Carlos Federico Sáez (1878-1901)
Nacido en Mercedes, a los trece años pintaba paisajes y naturalezas muertas, con una calidad estética que asombraba. Juan Manuel Blanes aconsejó enviarlo a Roma, casi niño, donde permaneció siete años, pero en lugar de seguir la corriente academicista, se interesó por las nuevas propuestas: los Manchistas italianos y el Art Nouveau francés.
Retrató a familiares, amigos y modelos con especial atención en el torso en composición triangular: hizo una pintura de generosos empastes, expresividad y agudeza de observación. Hombre mundano, representó la fugacidad del tiempo y lo efímero de la moda, en una serie de más de setenta óleos y cien dibujos. Regresó a Montevideo en 1900, ya enfermo, para fallecer a los veintidos años. Una muerte casi adolescente que da lugar a una incógnita: ¿qué habría ocurrido con su arte si hubiese alcanzado una edad madura? Casi toda su obra es preservada en el Museo de Artes Visuales de Montevideo y en el Museo Municipal Eusebio Giménez de Mercedes.

Autorretrato.
Pedro Figari (1861-1938)
Su firma debe ser considerada –junto con la de Joaquín Torres García, Rafael Barradas y José Cúneo, entre los nacionales– una de las más buscadas por los marchand y las galerías de arte de todo el mundo. Este montevideano polifacético fue abogado, político, escritor y periodista, además de un referente de la pintura contemporánea latinoamericana. Perteneció a la escuela postimpresionista, que adaptó a su carácter costumbrista y americano, con sus escenas de candombes, pericones y de la vida diaria uruguaya y rioplatense.

Luna y tuna, 1931.
José Cúneo (1887-1977)
Montevideano de nacimiento, admirado por sus ranchos y lunas de campo, es de los pintores uruguayos más cotizados en el mercado internacional de las artes plásticas. Era alumno de Carlos María Herrera, antes de viajar a Italia en 1907, para estudiar con Anton María Mucchi. En 1917 viajó a París, interesado en la pintura de Paul Cezanne y Paul Gauguin, hasta que regresó para iniciar su etapa planista con una serie de retratos y paisajes de Melo.
Su estilo luego fue marcado por el expresionista ruso Chaim Soutine (1894-1943), a quien conoció en la capital francesa. A partir de 1930 pasaba largas temporadas en Florida y Melo, donde inició la serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo. Cuando se fue a Europa por tercera vez tomó contacto con la pintura abstracta, y allí decidió agregar el apellido materno a su firma: Perinetti. José Cúneo ganó premios y recibió distinciones en todo el mundo, y fue durante una de sus tantas aventuras intelectuales que murió sorpresivamente en Bonn, capital de la ex Alemania Federal.

Yuski Gurvich con su esposa Totó Argaña
y su hijo Martín en el taller del Cerro.
María Julia falleció el 23 de julio de 2011.
(Fundación Gurvich)
José Gurvich (1927-1974)
Nacido un 5 de enero invernal, en la aldea lituana de Jieznas, fue hijo de Jacobo Gurvich y Jaie Galperas. Aquella era una familia judía perseguida por el hambre y la discriminación en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Arribado a Montevideo a fines de 1932, él y su hermana Myriam fueron dos niños inmigrantes que estudiaron en la escuela Chile, símbolo educativo del Barrio Sur. De esa época se conservan cuadernos que demuestran una innata capacidad para ilustrar sus trabajos. Juvenil aficionado al violín –“para los judíos es un instrumento cultural, como el tamboril para los uruguayos”, decía–, su primer maestro de pintura fue José Cúneo, y en 1945 ingresó al Taller Torres García, al principio como alumno reconocido por el maestro y luego como profesor.
Hombre astral, 1967.
(Fundación Gurvich)
En 1954 se fue a Europa con sus amigos Manuel Aguiar y Antonio Pezzino, y así conoció la obra de El Bosco, Pieter Brueghel, Marc Chagall. Con la ilusión de vivir en el Estado de Israel, al año siguiente se radicó en el kibutz Ramot Menasche. Allí fue pastor de ovejas, una tarea que le permitía dibujar y pintar, y que inspiró pequeñas esculturas sobre la vida colectiva en la granja. Retornó al país en 1967, para participar en la Exposición de la Comisión Nacional de Bellas Artes, que le daría un inesperado reconocimiento. Poco después viajó nuevamente a Israel, Europa y a su destino definitivo: Estados Unidos. Falleció por un sorpresivo ataque cardíaco, mientras pintaba una Sucot, la alegre fiesta judía de la cosecha."


Amalia Nieto con su esposo
el músico y escritor
Felisberto Hernández, y su
hija Ana María, de paseo
por Buenos Aires, 1941.

(felisbertohernandez.com)
Amalia Nieto (1907-2003)
Su última muestra fue en el Museo de Arte Contemporáneo, en 2001, cuando una vez más dijo: "Nunca estoy totalmente conforme con mi pintura; a menudo estoy totalmente disconforme."
Nacida en Montevideo, se padre, el médico Manuel Benito Nieto, fue pionero en cirugía cardíaca y director del Hospital Maciel. En 1925 ingresó al Círculo de Bellas Artes, donde estudió pintura con Domingo Bazzurro. Era el auge del Planismo en la pintura uruguaya y una etapa de auge de los ideales democráticos e igualitarios.
En 1929 realizó su primer viaje de estudios a París, para asistir a la Sorbona, a la Academia de André Lothe y a la Grande Chaumière. La década de 1930 estuvo signada por el gobierno autoritario de Gabriel Terra, pero también por el retorno de Joaquín Torres García, quien en 1934 sacudió al país artístico con su Universalismo Constructivo.
Homenaje a Felisberto Hernández,
madera tallada y pintada al óleo,
30 x 25 cm, 1936.
(felisbertohernandez.com)
Asistió al Taller Torres García, como discípula y contribuyente para hacerlo posible. En mayo de 1936 realizó una muestra de sus pinturas constructivas en la Asociación de Amigos del Arte y desde entonces se sucedieron 33 exposiciones individuales y 37 premios en salones nacionales, municipales. Entre tantos: el Gran Premio Pintura en el XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas 1967, el Gran Premio Escultura en el XXXIII Salón Nacional 1969 y el Premio Pintura del Concurso de Caja Notarial 1991.
Representó a Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba, San Marino y Spoletto en Italia, y expuso en París, Alemania y Estados Unidos. En 1995 volvió a París para tomar cursos de mosaico con Gino Severini y grabado con J. Friedlander, mientras era invitada a participar en el Concurso Premio Figari, para una retrospectiva del Museo Nacional de Artes Visuales.
Su obra consta de series, las más conocidas: calles de París, búhos y la que la autora denomina Naturalezas Muertas Mentales.

Carlos Páez Vilaró (1923-2014)
"Pintor, ceramista, escultor, muralista, escritor, compositor y constructor autodidacta, nacido en Montevideo. Comenzó a manifestarse en el arte en la década de 1940, convocado por el Candombe, la comparsa afro-oriental y la vida en el conventillo “Mediomundo”. Pintó decenas de cartones, compuso para las comparsas lubolas, dirigió sus coros, decoró sus tambores y actuó como incitador de un folklore que en ese momento luchaba por imponerse contra la incomprensión.
Vivió con el médico franco-alemán Albert Schweitzer en el leprosario africano de Lambaréné, Gabón. Expuso sus obras en museos y galerías de todo el mundo y el destino quiso que se encontrara con grandes maestros: Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio De Chirico, Jean Cocteau, Jean Cassou, Alexander Calder, Andy Warhol. 
Avanzan los Sarabanda calle abajo,
acrílico sobre tela, 150 X 150 cm.
(http://carlospaezvilaro.com.uy)
Lavanderas, velorios, navidades, mercados, bailongos a la luz de la luna, poblaron los cartones y lienzos de Páez. Agotado el tema, fue inevitable su partida hacia Brasil, donde iniciaría un largo viaje a través de todos aquellos países donde la negritud tenía fuerte presencia: Senegal, Liberia, Congo, República Dominicana. Haití, Cameroun, Nigeria… Como integrante de la expedición francesa “Dahlia” realizó en Africa el film Batouk, distinguido para clausurar el Festival de Cannes. 
El “Mediomundo” fue demolido por la dictadura, pero el artista mantuvo con firmeza su lealtad al tema afro-uruguayo mientras ejecutaba el tamboril en el Desfile de Llamadas. Radicado en Punta Ballena, tiene su taller en la cúpula mayor de Casapueblo, su “escultura habitable”, modelada con sus propias manos, sobre los acantilados que miran al final Río de la Plata."
Biografía de la página web: http://carlospaezvilaro.com.uy/nuevo/home/

Agradecimientos: Eduardo Vidal Scheck, director general del Museo de Arte Contemporáneo; Claudia Vidal Sheck, directora ejecutiva; Pilar González, directora artística; Isabel Quesada, secretaria general; Soledad Risso, Eusebio Sastre, María Luisa Torrens, Octavio Podestá.