José Pedro Varela, reformador de la educación uruguaya, c. 1875, dos años antes de su aporte más memorable. (Uruguay Educa)
Para el historiador Carlos Zubillaga Barrera es la estirpe gallega de más honda influencia en la historia rioplatense. Héroes, pensadores, juristas, educadores, escritores, periodistas, políticos, que desde hace casi tres siglos cruzan el estuario, como ilustres ciudadanos de Buenos Aires y Montevideo. “Cada uno de los Varela es una tradición o una esperanza, en las letras, en las aulas, en la política... en la capital oriental, no tienen más que señorío, pobreza y sueño”, decía el escritor Telmo Manacorda cuando contaba historias del notable apellido originario de Lugo.
Sobre la base del capítulo IX del libro Galicia en Uruguay (Ignacio Naón, AOR, Montevideo, 2009) y la serie Biografías Uruguayas(El País, 2011).
−El apellido Varela está muy extendido en las comunidades españolas de Castilla y Galicia de donde es originario y en el sur de la Península y Alicante. No menos presencia posee en el Río de la Plata, con más de mil familias en Argentina y Uruguay. −La familia desciende de un linaje que tuvo como emblema al infante Don Varela poseedor de tierras aledañas a Santiago de Compostela, quien en el siglo XI fue un famoso cruzado en Tierra Santa. −El primer emigrante al Río de la Plata fue José Varela y Ulloa, nacido en Palas de Rey, cerca del río Ulla, en la provincia de Lugo, donde todavía se encuentra el castillo Ramil el más antiguo bastión familiar. −Don Pepe fue marino en su tierra natal, un héroe al servicio de la corona hispana, que en 1782 arribó a Montevideo como Comisario General de la Demarcación de Límites en América Meriodional, entre España y Portugal. Dos años después delineó la Carta de Límites con Brasil; una tarea que compartió con el militar coruñés Bernardo Lecocq.
−Varela lideró misiones científicas y diplomáticas, con los ilustres Diego de Alvear y Félix de Azara, el primer sabio oriental. El gallego se dedicó a instalar fronteras, en las conflictivas zonas del Cerro Largo, Aceguá, Batoví Grande, con familias de su tierra. Con apoyo de su amigo Azara, y de un joven ayudante de blandengue, llamado José Artigas, fundó la villa de San Gabirel de Batoví, en la remota región norte.
−Regresó a España en la recordada fragata Sabina que lo dejó en Cádiz donde permaneció poco tiempo. Su espíritu científico e innovador lo llevo a La Habana, pero, la muerte lo sorprendió en la capital cubana, en 1794, a los 46 años, mientras cumplía una misión de la Real Armada.
Jacobo Adrián Varela, abuelo de José Pedro, inmigrante de Lugo a Buenos Aires.
−La influencia de Varela y Ulloa en el Río de la Plata fue continuada por su hermano menor Jacobo Adrián, quien habia venido a visitarlo como simple pasajero, pero que se estableció en Buenos Aires y no solo por aventuras: pronto se enamoró de la porteña Encarnación San Ginés. −En la capital argentina se dedicó al comercio y fue su valiente defensor de su nueva ciudad, en las Invasiones Inglesas de 1807, como miembro del Tercio de Voluntarios de Galicia, liderado por su coterráneo Pedro Antonio Cerviño. −El ilustrado lucense enseñó a “leer y escribir y contar a sus hijos hasta los diez años”, y los formó en sus ideas republicanas. Fue el primer Varela de la familia que reflexionó sobre la necesidad de igualar a los hombres con la educación.
−Florencio fue el más destacado de sus hijos,porteño de nacimiento, doctorado en Derecho, periodista y político exiliado en Montevideo por su oposición al gobernador Juan Manuel de Rosas. −En 1848 fue confinado en la isla de Ratas, una estratégica porción de tierra en la bahía, cercana al Cerro. A pesar de los apremios siguió denunciando la “opresión del tirano”, hasta su sorpresiva liberación. Varela fue asesinado en marzo de ese año, tras recibir una puñalada por la espalda, en el momento de llegar a su casa. Las crónicas afirman que fueron sicarios rosistas.
Florencio Varela, tío de José Pedro, porteño de nacimiento, exiliado y asesinado en Montevideo.
−Jacobo Dionisio, cuarto hijo de Jacobo Adrián, fue padre de José Pedro Varela el reformador de la enseñanza uruguaya. −El nieto montevideano del gallego fundador realizó una obra pedagógica pionera, inmensa, invalorable, que aún luce esa innovación con orgullo nacional. Fue en 1786, paradójicamente, en tiempos del dictador militar Lorenzo Latorre. Desde entonces, la escuela pública uruguaya está guiada por tres ideales. Es laica, gratuita, obligatoria.
José Pedro Varela
−"Nacido el 19 de marzo de 1845, en la Montevideo sitiada de la Guerra Grande, fue hijo de Jacobo Dionisio Varela y Benita Gumersinda Berro. Estudió en el antiguo colegio de los Padres Escolapios. A los 15 años comenzó a trabajar en el comercio de su padre, pero su deseo era estudiar y seguir la carrera de Abogacía. Pronto fue conocido por sus composiciones poéticas, crónicas y artículos literarios."
−"Viajó a Estados Unidos y Europa en setiembre de 1867 y regresó en agosto del año siguiente. Contó su periplo de casi un año publicó en crónicas publicadas en el diario El Siglo. En América del Norte se encontró con el intelectual argentino Domingo Faustino Sarmiento, quien posteriormente fue presidente de la República Argentina."
Varela con su esposa, Adela Acevedo, 1875. (Uruguay Educa)
−"El historiador Arturo Ardao afirmaba que si bien el encuentro con Sarmiento en Estados Unidos “encendió, más que alumbró, la que iba a ser siempre su pasión, más que vocación” (1), no debemos olvidar que existía previamente al encuentro, una fuerte preocupación por el drama educacional de su país y de su tiempo."
−"Varela tuvo una gran actividad periodística y política. Trabajó en El Siglo como colaborador y en La Paz como redactor y director. Concebía a la actividad periodística y política como acción inseparable de la tarea educacional."
−"En 1868, luego de su viaje por Estados Unidos y Europa, José Pedro Varela, junto a personalidades como Carlos María Ramírez, creó la Sociedad de Amigos de la Educación Popular."
−"En 1874 trascendiendo el propósito inicial y realizando un abordaje orgánico de la cuestión educacional, escribió su libro La educación del pueblo.Dos años más tarde, La legislación escolar va a contener su desarrollo sociológico, relacionando el problema educacional con la realidad del país."
−"En 1876, durante el gobierno del coronel Lorenzo Latorre, José Pedro Varela aceptó el puesto de presidente de la Comisión de Instrucción Pública de Montevideo, que luego de la supresión del Instituto de Instrucción Pública ejercía una especie de superintendencia de todas las escuelas del país."
Narraciones olvidadas de José Pedro Varela, recopiladas por Leonardo Rossiello.
−"Apenas tres meses tardó en presentar su proyecto de Ley de Educación Común, cuyos fundamentos teóricos constituyeron el libro titulado La legislación escolar. En su obra realizó un profundo análisis sobre las causas sociales, económicas, financieras y políticas que colocaban al país en una situación crítica y llegó a la conclusión de que era indispensable elevar el nivel de la educación popular si se deseaba superar la desorganización y la violencia que caracterizaba a la sociedad uruguaya."
−"El proyecto de Varela pasó a estudio de una Comisión Especial que lo revisó y modificó. La letra original de la iniciativa establecía la obligatoriedad del aprender para todos los niños y niñas de 5 a 15 años." −"Planteaba que la escuela del Estado laico también debía ser laica, que no debía afiliar al alumno a una comunión religiosa, ni incorporarlo a un partido político. 'La educación debe preparar para la vida adulta. No podrá obligarse a ningún niño a que asista a la enseñanza de la religión católica contra la voluntad o sin el consentimiento de sus padres o tutores', afirmaba."
−"Varela era partidario de establecer la gratuidad de la enseñanza, como medio para lograr el cumplimiento de la instrucción obligatoria. El 24 de agosto de 1877 el órgano ejecutivo nacional supremo, el Gobierno Provisorio del Coronel Latorre, en el marco del proyecto modernizador vareliano, promulgó un Decreto−ley de Educación Común, que muy parcialmente contemplaba al proyecto original. Fue recortado el número de artículos, de 111 a 55. Neutralizó su contenido más avanzado, al eliminar la descentralización, la democratización, por tanto la participación popular y, la laicidad. Mantuvo la imposición de la enseñanza de la religión católica en todas las escuelas públicas, excepto a los alumnos que profesaran otras creencias y cuyos padres o tutores se opusieran a que la recibieran."
Memoria en el bronce.
−"José Pedro Varela aceptó el puesto de Inspector Nacional de Instrucción Primaria en 1877, al mismo tiempo que se aprobaba el Decreto−ley de Educación Común. Sólo estuvo dos años en el cargo, porque murió a los 34 años, el 24 de octubre de 1879."
(1) Ardao, Arturo. Etapas de la inteligencia uruguaya. Departamento de Publicaciones de la Universidad de la República. Montevideo, 1971; p. 115.
Referencias bibliográficas: Ardao, Arturo. Etapas de la inteligencia uruguaya. Departamento de Publicaciones de la UdelaR, Montevideo, 1971. Texto de Uruguay Educa. Portal Educativo de Uruguay, Administración Nacional de Educación Pública: http://www.uruguayeduca.edu.uy/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?ID=200861
En el espacio público del barrio Pocitos ubicado en el cruce del bulevar Artigas y la avenida Brasil, donde se alza la estatua del legendario reformador de la educación uruguaya. −El monumento aJosé Pedro Varela es un conjunto en bronce y mármol, creado por el español Miguel Blay, que comprende la imagen del periodista y educador con un libro en la mano izquierda y un lápiz en la derecha, sentado delante de una columna rodeada por grupos escultóricos.
Varela
−“Los Varela gallegos cuentan con más de tres millares de familias. Es un linaje de procedencia real que viene de los Reyes de Aragón por el Conde e Infante don Vela, hijo de Ramiro I y de la reina Ermesenda, que era descendente de la casa real de Francia. Don Vela fue uno de los caballeros que comandó la repoblación de Salamanca y un bisnieto suyo, Don Payo Varela, pasó a Galicia para fundar casa solar no lejos de Santiago."
Escudo nobiliario de los Varela de Lugo.
−"Allí fue un personaje conocido como Don Fernando El Santo, que procreó a Don Fernán Pérez Varela, al que llamaron El Capelo, por haber salido de la batalla de las Navas de Tolosa, en la que participó, con la celada, apelop capillo, que se decía en aquella época, plena de abolladuras que atestiguaban los golpes que había recibido en su lucha contra los moros." −"Del matrimonio de este caballero, con doña Teresa López de Ulloa, nacieron Don Gonzalo, que fue arzobispo de Santiago, doña Teresa y Don Juan Fernández Varela, por quienes se continúa su descendencia. Ya por entonces, se decía: 'Los Varela muy nombrados tienen por fama y blasón ser parientes muy alegados de los reyes de Aragón.' Esto es, al menos, lo que hace constar el genealogista Gracia Dei.”
Personajes en la Historia
−"Los más recordados en España fueron Juan Cruz Varela, José Enrique Varela e Iglesias, Emilio Varela i Isabel, Xesús Varela Vázquez i Félix Varela y Morales."
Escudo −“A veces, el estudio de las armas es complejo, devido a que algunos apellidos presentan varios escudos representativos de ramas diferentes. Todos representan de igualmanera el apellido i no se puede decir que unos sean mas correctos que otros. Aún así, la antiguedada de las armas de los Varela es diversa. El escudo mas antiguo es el que tiene en campo de oro, cinco barras de sinople. Otras armas del mismo apellido son: En campo de gules, cinco barras de sinople (contra las leyes heráldicas). I otros traen en campo de oro (sic).”
Fachada del MAC. (Ministerio de Educación y Cultura)
Arte nuevo
18
de Julio 965, entre Río Branco y Julio Herrera y Obes. El venerable
edificio, octogenario, es una elegante evocación de aquella
ciudad afrancesada de principios del siglo pasado, culta, sensible a
las vanguardias artísticas. Desde su nacimiento, en otoño de 1932,
es la Casa de los Rurales, construida por Francisco Lasala, con las
formas delicadas y la luz envolvente que define al estilo Art
Nouveau. Fue por pedido de los pioneros de la Federación Rural,
emprendedores del país que concibieron un escenario inspirado en su
medio de lucha diaria: la naturaleza. Desde hace una década, su
segundo piso es un espacio único, que multiplica iniciativas, que
preserva nombres y obras memorables, que apela a la memoria de un
pasado muy actual, repleto de futuro. Allí está el Museo de Arte
Contemporáneo de El País. Un ámbito de expresión cultural que
ha innovado en la gestión y que propone una visión
original del arte de su tiempo. Es decir, del arte nuevo. Sobre la base del fascículo N° 11 de la serie "Paseos que Enseñan", producido por Trocadero Gabinete DDiseño (El País, Montevideo, Agosto de 2008). Concepto visual y diseño: Alejandro Sequeira.
Técnica mixta sobre cartón, Aldo Peralta, 1974. (Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo)
Aldo
–Entonces,
¿yo también puedo ser un artista? –fue la pregunta del vivaz
adolescente, mientras observaba una pintura del salteño Aldo
Peralta.
El
jovencito había escuchado, con inusual atención, una anécdota
contada por su viuda, Lacy Duarte, en el Museo de Arte
Contemporáneo. Peralta fue un creador genial del siglo pasado, que
evolucionó desde lo figurativo a lo abstracto. Murió muy joven,
pero también logró mucho, muy joven. Cuando ganó su primer premio
de pintura, era un niño que fue a recibirlo de pantalones cortos. Lacy trabajó en series de pinturas y objetos, tallas en madera, objetos de miga de pan, colchas de trapos (traperas), en instalaciones de contenido social que refieren a su origen, a la condición de la mujer y los niños en el campo, a las faenas rurales (Ceibos y panes, Bretes, Trampas, Venceduras, Traperas). Fue la mayor divulgadora de la obra de Aldo.
Aldo Peralta en el MAC, 2008. (Alejandro Sequeira)
Aldo
Peralta (1933-1978) es un pintor contemporáneo, así, en tiempo presente. “Su gran soltura de brazo hizo
escuela, pero, como suele suceder, fue quedando en un injusto olvido,
opacado por el posmodernismo”, afirmaba el marchand Enrique Gómez,
curador de una muestra que en 2008 causó asombro y emoción a los visitantes
del MAC.
“Arte
contemporáneo es la expresión de un creador que vive atento a su
época.”
Para
él fue, y será, el día de su vida. Era invierno de 2006, viernes
11 de julio, cuando llegó al Museo de Arte Contemporáneo, donde
estaba expuesto su dibujo. Unos días antes había estado allí con
su clase, el cuarto año de la escuela 308, de Manga. Luego de una
recorrida, la artista plástica Pilar González propuso a los
visitantes que crearan figuras en base a un tema: la paloma. Pero,
para Matías no fue fácil. Lo intentaba y lo intentaba. Se paraba,
caminaba por el salón, volvía a sentarse.
La paloma de Matías. (Archivo MAC)
–No
me sale una paloma, ¡me sale una gallina! –dijo después de tantos
intentos, como hojas rotas. Pero la anfitriona insistió, con
paciencia. –Matías, ¡quiero tu paloma, no una de la calle!
Minutos
después presentó una hoja dibujada con cuatro líneas. Su trabajo
–y los de sus compañeros– fue expuesto en una muestra: El niño
y la paloma. Cuentan testigos que cuando Matías llegó a la
inauguración, aquel viernes 11; se quedó mudo. Su dibujo ampliado y
resaltado dentro de una mampara, dominaba el centro de la sala.
Apenas un mínimo detalle era distinto al original: un ojo pintado de
rojo para realzar su obra, que evocaba a Pablo Picasso. Los mismos
testigos cuentan, que Matías lloraba de emoción. Pero también se
mataba de la risa, porque fue, y será, el día más feliz de su
vida.
Girasol candombeando, técnica mixta, Hugo Longa, 1974. (Archivo MAC)
Sombrerito
“Los
museos de arte contemporáneo son muy atractivos, muy seductores,
porque además de exhibir el trabajo de un autor; también cuentan su
historia. Cuando el museo muestra sus fotos personales, su taller,
sus paletas de pintar o su sombrerito, está informando como vive, o
como vivió, de donde viene y hacia donde va su obra.”
Enrique
Gómez, experto en arte moderno, marchand, asesor del MAC.
¿Un
paraguayo?
–¿Por
qué no traés a un francés o a un norteamericano? –fue el
comentario de un artista uruguayo a María Luisa Torrens, cuando en
1980 presentó una muestra de Carlos Colombino, arquitecto, escritor,
coleccionista y por entonces director del Museo de Arte Contemporáneo
de Asunción del Paraguay.
Una anécdota que la periodista suele recordar, respondida años después en el prólogo
del catálogo que inauguraba la actual sede del MAC. “Ello
demuestra el grado de colonización cultural que padece un gran
sector del mundo artístico de nuestro país y la discriminación que
existe entre las propias naciones del llamado Tercer Mundo.”
Arte
Es
el conjunto de creaciones que expresan una visión sensible del
mundo, sea real o imaginario. El arte expresa ideas o emociones a
través de recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, y también
percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos. Paras el
primer Homo sapiens, el primer hombre, el arte tuvo una función
ritual, mágica y religiosa, que cambió con el paso del tiempo hasta
transformarse en un complejo lenguaje de la imaginación y la
creatividad.
Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo
Llegando al MAC. (Alejandro Sequeira, 2008)
Merece ser considerado un de
los pioneros del actual modelo de gestión cultural abierta a la
población. Concebido con la dirección artística de la periodista y crítica de arte María Luisa
Torrens, desde entonces se propone expresar la diversidad del trabajo
artístico y democratizar el acceso a la cultura, con una estrategia
de difusión activa de su acervo patrimonial, de sus exposiciones y
de sus actividades educativas.
El
Museo de Arte Contemporáneo de El Países
una institución creada para acompañar la innovación artística,
que recoge una experiencia pionera de protección y difusión
patrimonial. Desde un principio la idea estuvo en cada línea escrita
por lo fundadores del diario –Washington Beltrán, Eduardo
Rodríguez Larreta, Leonel
Aguirre– pero fue otro pionero –Carlos Scheck– que un 17 de
julio de 1958 inauguró el Centro de Artes y Letras (CAYL). Don
Carlos había
llamado a
los arquitectos De los Campos, Puente y Tournier para reciclar los
sótanos del edificio El País, de la Plaza Cagancha, mientras
acordaba compartir la nueva sala con el Museo de Arte Modermo (MAM)
de los famosos hermanos Jorge y Carlos Paez Vilaró.
Un
año y pocos días después fallecía Don
Carlos; el puesto fue
ocupado
por Carlos Eugenio Scheck, su hijo, quien continuó con la diaria
tarea de divulgar las artes. Las iniciativas se multiplicaron cuando
María Luisa Torrens organizó la Feria de Artes Plásticas de la
Plaza Libertad, para difundir a los maestros uruguayos: José Cúneo,
Maria Freire, Nelson Ramos, Carlos Páez, el ceramista Marcos López
Lomba, entre tantos. En aquella primera etapa hubo dos muestras
memorables. El español Antonio Tapies, cultor del Informalismo, pasó
por el CAYL para revelar hasta donde la materia puede ser utilizada
como impensado medio expresivo, y también allí fue exhibida la
Colección Di Tella con grandes maestros europeos: Paul Cézanne,
Auguste Renoir, Paul Gauguin y una enorme escultura en bronce del
británico Henry Moore, con la que jugaban los niños pasando por sus
huecos.
La
década de 1960 fue de nuevas vanguardias: Happening, Body Art,
Performances, Instalaciones y mucho Pop que encantaba a los jóvenes,
pero que no convencía a los, por entonces, patronos de la cultura
nacional. El Centro de Artes y Letras de El País fue cerrado en
1966, en el fragor de esa lucha, pero, en su lugar se creó el Teatro
del Centro, remodelado por los arquitectos Mezzotoni y Scheck.
Figura, técnica mixta, Hugo Nantes, 1987. (Archivo MAC)
Así
pasaron catorce años, hasta que en 1980 renació el espíritu del
inolvidable CAYL de Don
Carlos,
ahora renovado y renombrado: Museo de Arte Contemporáneo. Su primer
director ejecutivo fue Daniel Scheck, también coleccionista de arte
y con el mismo impulso innovador para realizar la I Bienal del
Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol en el arte”; una
propuesta que reconocía una verdad incuestionable pero que entonces
no era admitida en los círculos cultos: el fútbol es el más
entrañable patrimonio de los uruguayos.
El
14 de setiembre de 1997 fue la fecha señalada, para inaugurar un
nuevo ámbito de gestión cultural; en una cuadra histórica, repleta
de la mejor arquitectura, pero eclipsada por la
caída de las grandes tiendas, de los cines y el declive de los bares
céntricos.
Ese día el Museo de Arte Contemporáneo se mudaba al segundo piso de
la Casa de los Rurales, de 18 de Julio 965, entre Río Branco y Julio
Herrera y Obes. La planta fue transformada en un
ambiente único, diseñado especialmente para una institución
distinta a las tradicionales. Mauricio Mezzotoni, Fernando Olivera y
el arquitecto Rodrigo Olivera, le dieron al Art Nouveau original, una
nueva forma, una nueva luz, una nueva textura. María Luisa Torrens
concibió en su entrada un “Espacio Mercosur”, hoy ampliado a
“Espacio Latinoamericano”. La sala principal es un laberinto
simple, que se disfruta mientras se lo desentraña; que combina
colores neutros en las paredes y oscuros en el piso, para acoger una
magnífica diversidad de obras y de autores de nuestro tiempo.
Naturaleza blanca y rosa, acrílico y tinta sobre tela, Amalia Nieto, 1976. (Alejandro Sequeira)
“Tenemos
un espacio pensado y realizado para un museo moderno, preparado para
recibir visitantes de manera tradicional, pero también para convocar
a escuelas y liceos, a las que no esperamos, sino que vamos a
buscar”, afirma su directora ejecutiva Claudia Vidal Scheck.
“Nuestros
invitados tienen la oportunidad de acercarse a un museo de escala
humana: observan, investigan, dialogan sobre las artes, los artistas
y sus obras”, cuenta Pilar González, responsable de las charlas de
sensibilización que cada tarde comparten niños y jóvenes de todo
el país. Una propuesta educativa original que permanece abierta
todos los días, de domingo a domingo. MUVA
El Museo Virtual de Artes y su publicación Arte son iniciativas culturales del diario El País que aseguran la continuidad de un propósito: divulgar la producción nacional de pintura, escultura y letras. Ambos son dirigidos por la docente, periodista, curadora artística, historiadora y crítica de arte Alicia Haber.
MUVA: http://muva.elpais.com.uy/
Revista Arte: http://arte.elpais.com.uy/
Portada del fascículo MAC, serie Paseos que Enseñan. (Alejandro Sequeira)
INFO Ciudad: Montevideo
Barrio: Centro
Ubicación: 18 de Julio 965, piso 2
Teléfono: 29006662 / 29022942
Correo Electrónico: museomac@elpais.com.uy
¿Cómo llegar?Todas las líneas de ómnibus que pasan por el Centro.
Visitas. Lunes de 14 a 18.30 y martes a domingo de 14 a 20. La entrada es gratuita. Las charlas de sensibilización artística se realizan dentro de estos horarios y deben ser agendadas con anticipación, por teléfono o correo electrónico. El MAC tiene una colección de libros y catálogos, sobre autores, obras y exposiciones, que pueden ser consultados o adquiridos, los siete días de la semana.
Guernica, óleo sobre lienzo, símbolo del Cubismo, ícono artístico y político del siglo XX. Fue pintado por Pablo Picasso entre mayo y junio de 1937, por pedido de la II República Española. La obra de 777 por 349 centímetros, en blanco y negro y una amplia gama de grises, es interpretada como una denuncia del bombardeo aéreo de la localidad vasca, por orden de Francisco Franco. Todavía es objeto de polémicas porque no posee referencias explícitas al ataque que dejó un saldo de 126 muertos. (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid)
Arte Contemporáneo Es
el hecho creativo que se desarrolla en tiempo presente, en nuestra
época. También es la suma de corrientes originadas a principios del
siglo pasado que se trasmiten hasta la actualidad por la intervención
de museos, centros culturales, galerías de arte, medios de
comunicación. Aunque el término se refiere a todas las artes
–pintura, escultura, arquitectura, música, letras– es mejor
reconocido a través de la plástica. Los primeros grandes pintores
contemporáneos fueron: Henri Matisse, iniciador del fauvismo
francés; Basili Kandinsky, autor de la primera obra abstracta
conocida y Marcel Duchamp, líder de los jóvenes rebeldes que
crearon el Dadaísmo que desafió la tradición figurativa clásica. Por su talento e influencia podría sumarse el español Pablo
Picasso, notable exponente del Cubismo que también marca una seña
de identidad actual. Después de la Segunda Guerra Mundial
(1939–1945) florecieron nuevas vanguardias artísticas y desde
entonces se multiplicaron los centros dedicados a su preservación y
exposición. El Museo de Arte Contemporáneo de El País mantiene
esta concepto por haber sido especialmente creado para acompañar
la innovación. Es un espacio cultural distinto, que recoge una
experiencia pionera de protección y difusión patrimonial.
Pablo Picasso y Carlos Páez Vilaró, Francia, 1957.
"La pintura es un instrumento ofensivo y defensivo contra el enemigo."
Pablo Picasso, poco después de finalizar el Guernica, estrenado en la Exposición Internacional de París 1937 para promover la causa republicana en la Guerra Civil Española.
Retrato de Denis Hooper, aceite, bondo, cera y platos de cerámica sobre madera
(184.1 x 153.6 x 12.7 cm),
Julian Schnabel, 1999.
Posmodernismo
Para varios autores es la tercera etapa del Arte Contemporáneo, surgida
en 1968 como respuesta a los cambios políticos, sociales y
culturales de fines del siglo pasado. El nombre se refiere a los
movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos,
definidos por su oposición o superación del modernismo. Algunos
ejemplos: Arte Povera, Nuevo Realismo Francés, Arte Conceptual o
Minimalista, Expresionismo Abstracto.
BIO
MARÍA
LUISA TORRENS
Montevideana
multifacética, periodista, docente, gestora cultural, fue la primera
directora artística del Museo de Arte Contemporáneo, quien le dio su nombre
y un carácter moderno y abierto a la diversidad de nuevos autores y
nuevas corrientes plásticas. Fue profesora de Historia del Arte,
jurado de bienales internacionales, crítica de arte del diario El
País, conductora de programas televisvos. En 1980 dirigió la 1ª
Bienal Internacional del Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol
en el Arte”, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y al siguiente
organizó la Bienal de Grabado Iberoamericano. Fue directora de
Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, entre 1990 y 1995, y
del MAC entre 1980 y 2002.
Nico Barcia, 2008.
“Es menester democratizar la cultura, ha dicho alguien en frase compendiosa y feliz. Que no solo la élite que ha visitado museos europeos o pasado por aulas universitarias, sea la que conozca las obras maestras. El arte debe llegar al corazón de las multitudes.”
Pasaje del artículo “Democratizar la cultura”, publicado en la portada del primer número del diario El País, 14 de setiembre de 1918.
“Desde
un principio nuestro museo se preocupa por descubrir a los artistas
jóvenes y por recuperar a los artistas olvidados. Nuestro primer
compromiso es preservar la memoria de los creadores uruguayos y
latinoamericanos.”
Claudia
Vidal Sheck, directora ejecutiva del MAC.
Pilar González en una charla de Sensibilización Artística. (Alejandro Sequeira, 2008)
Sensibilidad
“El paso por las salas es de
total libertad, a veces hay 50 o 60 niños, cada uno con sus
intereses. Tratamos de provocar una sensación de cercanía.
Charlamos de todo, largo y tendido, del arte que ellos conocen y del
que nosotros conocemos: la televisión, el cine, los monumentos, los
edificios, de lo que vemos cada día en nuestra casa, en nuestro
barrio, en la escuela. Luego les explicamos que un museo de arte
contemporáneo es distinto a los otros, porque tiene muchas obras de
gente que está viva, con la que pueden charlar. Y así, cuando nos
ponemos a dibujar, todos juntos, seguro que ya se fue el miedo al
aburrimiento.”
Pilar González, responsable de las Charlas de Sensibilización Artística del MAC.
Catálogo de la Exposisión del pintor madí Bolívar Gaudín, 1999.
500
Es
la cantidad de obras propias del Museo de Arte Contemporáneo de El
País, pero son más las que preserva y comparte con sus visitantes,
en su espacio de 325 metros cuadrados. La institución posee
creaciones de José Pedro Costigliolo, María Freire, Amalia Nieto,
Miguel Ángel Pareja, Vicente Martín, Alfredo Testoni, Hugo Longa,
Águeda Dicancro, Nelson Ramos, Jorge Páez, Octavio Podestá, Hugo
Nantes, Manuel Pailós, Luis Solari, Clever Lara, Jorge Damiani,
Ignacio Iturria, Óscar García Reino, Enrique Silveira, Jorge
Abbondanza, entre tantos.
Abstracto
Primera acuarela abstracta, 49,6 por 64,8 centímetros Vasili Kandinsky, 1910. (Centro Geoorges Pompidou, París)
Es
el estilo nacido en la década de 1910 que realza aspectos
cromáticos, formales y estructurales, resaltando su valor y fuerza
expresiva, sin imitar modelos o formas naturales. Surgió como
reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía
que provocó la crisis del arte figurativo. Fue una de las
manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. Su pionero
fue el ruso Basili Kandinsky, autor de una obra que cambió la
historia de la pintura: Primera acuarela abstracta.
The Key (La Llave), óleo en lienzo, Paul Jackson Pollock, 1946. (Instituto de Arte de Chicago)
¿Qué es? “Arte
Contemporáneo es la pintura, la escultura y la arquitectura del
siglo XX. Como corriente nació en la década de 1910, luego de
conocida la obra del pintor ruso Vasili Kandinsky, precursor y líder
de la abstracción y el primero que expuso una acuarela abstracta. Fue
una revolución artística, porque hasta ese momento la pintura era
figurativa, representaba figuras del mundo que se podían reconocer
fácilmente: un rostro, un paisaje, una escena con personas. Pero
también es el arte del presente. Cada momento del mundo tuvo su arte
contemporáneo. El Renacimiento fue contemporáneo de quienes
vivieron en el siglo XVI, el Barroco lo fue del siglo XVII, el
Impresionismo de fines del siglo XIX.”
Pilar
González, artista plástica.
MAC
Logo en la puerta del MAC. (Alejandro Sequeira)
El
logo del Museo de Arte Conemporáneo de El País fue creado en 1997
por Punto Publicidad, ganadora de un concurso creativo que convocó a
las principales agencias. Para María Luisa Torrens es un símbolo de la diversidad
cultural y estética, y una forma de sintetizar formas artística
contemporáneas. Las tres letras del isotipo están realizadas en
distintas fuentes gráficas, sobre colores primarios.
Fuente (Ready made), porcelana de 33.5 cm, Marcel Duchamp.
Corrientes
Fauvismo.
Movimiento francés que en la primera década del siglo XX sustituyó
al Impresionismo, agregando un fuerte colorido y trazos muy marcados.
George Braque y Henri Matisse fueron sus más emblemáticos
integrantes.
Cubismo.
También desarrollado en Francia, entre 1907 y 1914, trató las
formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Sus
principales exponente: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan
Gris.
Expresionismo.
Movimiento estético y artístico surgido en Alemania, en 1911, en
concordancia con el fauvismo francés, que pretendía dar al
observador una visión de los sentimientos del artista. Sus figuras
más conocidas: August Macke, Paul Klee, Franz Marc.
Nu assis sur un divan (La belle romaine). Desnuda sentada en un diván (La Bella Romana). Amedeo Modigliani, 1917. Vendido en 60 millones de dólares, en 2010. (Archivo Sotheby's)
Dadaísmo.
Manifestación intelectual y artística de protesta contra el arte
tradicional surgida en 1916, en la ciudad suiza de Zurich. Sus
seguidores se declaraban revolucionarios “antiarte” y se burlaban
de las convenciones plásticas, musicales y literarias. Trustán
Tzara fue su creador y Marcel Duchamp su más famoso seguidor.
Surrealismo.
Tendencia estética, artística y literaria, iniciada en Francia a
partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX. Su manifiesto
fue elaborado en torno a la personalidad del poeta André Breton. Los
surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible
asegurando la importancia de los sueños en la creación artística.
Algunos de sus cultores: Marx Ernst, Salvador Dalí, René
Magritte.
Futurismo.
Escuela italiana de vanguardia fundada el 20 de febrero de 1909, por
el intelectual Filippo Tommaso Marinetti. Los futuristas
desarrollaron un Cubismo “dinámico”, interesados por la
representación del movimiento y la velocidad a través de la
repetición de líneas e imágenes. Algunos de sus seguidores: Gini
Severini, Humberto Boccini, Carlo Cará y Giacomo Balla.
Coca-Cola 4, creada en 1962 por Andy Warhol, forma parte de un grupo de lienzos en los que el pintor transformó un producto cotidiano en un ícono del arte contemporáneo y de posguerra.
Constructivismo.
Tendencia artística y arquitectónica que surgió en Rusia en 1914 y
se afianzó después de la Revolución de Octubre de 1917. Es un
concepto frecuente en el arte moderno, que separa el arte "puro"
del arte usado como instrumento social. Algunos artistas asociados:
Leo Breuer, Naum Gabo, El Lissitzky, László Moholy-Nagy. Su figura
mayor fue el arquitecto ruso Konstantín Stepanovic Mélnikov.
.
Corriente artística creada por Piet Mondrian en 1917, que proponía
despojar al arte de todo elemento accesorio, utilizando de líneas
rectas que delimitan rectángulos de colores primarios. El más
cercano alumno de Mondrian fue Theo van Doesburg.
Mirada y mà, 2003, Antoni Tàpies i Puig.
Pop
Art (Arte Popular). Movimiento surgido a finales de la década de
1950, en Inglaterra y Estados Unidos, que se caracterizó por el
empleo de imágenes y temas tomados del mundo de los medios masivos
de comunicación: prensa, radio, televisión, cine. El nombre fue
utilizado por primera vez en 1958, para definir las obras de Richard
Hamilton y Eduardo Paolozzi. Su más recordado exponente fue el
estadounidense Andy Warhol.
For the Love of God (Por el amor de Dios), cráneo con incrustaciones de diamantes, Damien Hirst, 2007.
Happening.
Del inglés: hecho o suceso, es una manifestación artística
multidisciplinaria, surgida en la década de 1950, caracterizada por
la participación del público. Los artistas “happening” producen
una obra sin interés en su forma y contenido, sino en el suceso a
organizar y en la participación de los espectadores, para que se
liberen a través de la expresión emotiva y la representación
colectiva. La primera obra happening se llamó Theater piece Nº1, y
fue realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College de
California, Estados Unidos.
“El
artista es un pararrayos que capta todas las ideas de su sociedad y
que las expresa con el lenguaje de su tiempo.”
Bolívar
Gaudín, pintor uruguayo, exponente del Arte Madi, asesor del
Museo de Arte Contemporáneo del El País.
Vasili Kandinski, el primer abstracto.
Artistas
contemporáneos
Vasili Kandinsky (1866-1944). Pintor ruso y teórico del arte, creador de la abstracción
lírica, precursor del Abstraccionismo e iniciador de la etapa
conocida como Arte Contemporáneo.
Henri Matisse (1869-1954). Dibujante, pintor, grabador, escultor, fundador del Fauvismo, conocido por su uso del color y del dibujo.
Piet Mondrian (1872-1944). Pintor abstracto holandés; fundador del Neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
Piet Mondrian.
Paul Klee (1879-1940). Pintor abstracto suizo, líder del Expresionismo, cuyo estilo se desarrolló entre el Surrealismo y el Arte Abstracto.
Carlo Carrà (1881-1966). Pintor y teórico del arte italiano, líder del movimiento Futurista.
Pablo Picasso (1881-1973). Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso. Pintor y escultor español, fundador del Movimiento Cubista, acompañado por Juan Gris y Georges Braque. Pacifista declarado fue militante del Partido Comunista hasta su muerte, a los 91 años, en el exilio francés de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues, en la localidad de Bouches-du-Rhone. Para muchos críticos, la mayoría, fue uno de los mayores sino el mayor plástico del siglo XX.
Paul Klee.
Amedeo Modigliani (1884-1920).Pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París, en su tiempo la vanguardia del arte mundial. Para los expertos fue el más genial y el más inspirado de los modernos pintores europeos.
Marcel Duchamp (1887-1968). Francés, líder del Dadaísmo, referente de la vanguardia del siglo XX, precursor del Arte Contemporáneo, con Basili Kandinsky.
Max Ernst (1891-1976). Artista alemán nacionalizado francés
considerado figura fundamental tanto en el movimiento Dadá como en
el Surrealismo. Fue un experimentador infatigable, que utilizó una diversidad de técnicas, estilos y materiales. Sus trabajo buscaba los medios ideales para expresar, en dos o
tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños.
Amedeo Modigliani.
Rene Magritte (1898-1967). Pintor surrealista belga, creador del Realismo Mágico.
Salvador
Dalí (1904-1989). Pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español, nacido en Málaga, destacado exponente del Surrealismo junto con su compatriota Joan
Miró.
Paul Jackson Pollock (1912-1956). Fue un influyente artista estadounidense, líder y referente del Expresionismo Abstracto. La crítica, en forma casi unánime, lo considera el mayor plástico de su país en el siglo XX.
Antonio Tàpies i Puig(1923-2012). Pintor catalán, escultor y teórico del arte. Sus primeras obras se enmarcaban en el Surrealismo, pero pronto evolucionó hasta transformarse en un referente mundial del Informalismo. Se lo considera un precursor del Arte Povera, por su utilización de materiales pobres, de reciclaje y desecho, cuerdas, papel, polvo de mármol, aunque su "Pintura Matérica" es un concepto diferente a la corriente de origen italiano.
René Magritte.
Andy
Warhol (1928-1987). Pintor, diseñador, cineasta estadounidense, líder del
movimiento Pop Art, que utilizó temas e imágenes de los medios de
comunicación en las artes visuales.
Julian Schnabel (1951). Pintor estadounidense de origen judío, cultor del Neoexpresionismo y líder del movimiento Pintura Mala (Bad painting). Como director de cine realizó tres películas: Basquiat, Antes que anochezca y La escafandra y la mariposa. Ganó la Palma de Oro de Cannes y fue nominado en los Globos de Oro, Premios BAFTA, en los César y en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Como plástico adquirió notoriedad por sus "Pinturas con con platos" (Plate painting).
Jackson Pollock.
Erwin Wurm (1954). Escultor austriaco moderno que cambió la forma del moldear el cuerpo humano.
Damien
Hirst (1965). El más promocionado artista inglés de la
actualidad, líder del grupo llamado Grupo de Jóvenes Británicos (Young British Artists) y el
creador vivo con la obra mejor pagada del mundo.
Peggy era asidua nota de las revista más prestigiosas del mundo. (Archivo Life)
Peggy Guggenheim (1898-1979) No era artista, al principio ni siquiera sabía distinguir entre abstracto y surrealismo, pero durante más de medio siglo fue la más influyente coleccionista y mecenas estadounidense de arte. Nacida en Nueva York, se llamaba Marguerite, hija de Benjamin Guggenheim, un magnate judío de origen suizo-alemán, que murió en el Titanic, y de Florette Seligman también judía, pero alemana-holandesa.
Marcel Duchamp.
Su tío Salomón creó la Fundación Guggenheim, para ella fascinante. Así conoció a Marcel Duchamp que le enseñó todo lo que necesitaba como iniciada en el mundo de los coleccionistas de arte.El 12 de junio de 1940 estaba en París, dos días antes de la invasión nazi a Francia. El horror se instalaba mientras ella huía a la sureña ciudad de Grenoble. Fue cuando algunos pintores le solicitaron auxilio para escapar. Entre ellos, el fugitivo de un campo de concentración: Max Ernst. Juntos se fueron a Marsella donde nació un amor apasionado y juntos, en julio de 1941 viajaron a Nueva York. Ella de regreso a casa, él como exiliado.
En 1941 regresaba a Estados Unidos con un exiliado del nazismo, que pronto fue su esposo: Max Ernst. (Archivo Life)
Dos años después Peggy publicó un aviso en la revista Art Digest, en busca de nuevos talentos. Así conoció a Jackson Pollock. A primera vista no le gustó la obra de aquel extraño joven, por su "absoluta falta de disciplina", pero Piet Mondrian tenía otra opinión. "Donde tú ves 'falta de disciplina' yo tengo la impresión de percibir una energía tremenda." Ella le hizo caso.
Ese mismo año se separó de Ernst y en 1947 cerró su célebre Galería Art of This Century. De regreso a Europa se radicó en Venecia, una ciudad que le encantaba, que la declaró "Ciudadana Ilustre".
Marguerite Peggy Guggenheim murió por una apoplejía en Padua. Fue enterrada en el jardín de su mansión veneciana, cerca de sus perros.
José Clemente Orozco.
Joaquín Torres García (1874-1948). Pintor, escultor, juguetero, pensador, docente, escritor uruguayo, fundador del Universalismo Constructivo y de la Escuela del Sur, líder del mayor movimiento contemporáneo sudamericano.
José Clemente Orozco (1883-1949). Muralista y litógrafo mexicano, graduado en la Escuela Nacional de Agricultura de su país y que más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico. Su estilo heroico se basa en un realismo expresionista, con toda conciencia ligado a las antiguas tradiciones artísticas aztecas, de violento dinamismo y elevada calidad.
Frida Khalo y Diego Rivera.
Diego María Rivera (1886-1957). Muralista que evolucionó del academicismo a la
vanguardia latinoamericana de dramático contenido social. De ideología comunista, fue una celebridad mundial en su tiempo por sus obras en edificios públicos.Fue creador de murales en el centro histórico de la Ciudad de México, en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades como Cuernavaca y Acapulco. También produjo fuera de su país: San Francisco, Detroit y Nueva York. Fue el padre del denominado Renacimiento Mexicano con sus compañeros: José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo.
David Siqueiros.
David Alfaro Siqueiros (1896–1974). Su verdadero nombre era José de Jesús Alfaro Siqueiros, muralista, militar y revolucionario mexicano. Fue uno de los tres exponentes mayores del muralismo, contemporáneo de Diego Rivera y José Clemente Orozco, con quienes compartió una sensibilidad expresionista que anticipó las tendencias neorrepresentativas o neoicónicas de la década de 1960.
Frida
Kahlo (1907-1954). Pintora surrealista mexicana, la más notable de
América Latina; formó con su esposo, Diego Rivera, la más célebre pareja de artistas plásticos latinoamericanos del siglo pasado.
Cándido Portinari.
Oswaldo
Guayasimín (1919-1999). Muralista y pintor ecuatoriano de grandes
formatos, un expresionista latinoamericano que se dedicó a los temas
indígenas y a la denuncia social contra la violencia y las
dictaduras.
Cândido
Portinari (1903-1962). Fue un notable pintor brasileño contemporáneo,
nacido en una plantación de café, que retrató la pobreza y la
injusticia que sufren los campesinos de su país, a quienes describía
como "pies deformes, que pueden contar una historia, semejantes
a los mapas con montes, valles, ríos y caminos".
Oswaldo Guayasimín.
Benito
Quinquela Martín (1890-1977). Fue un popular pintor argentino,
nacido en La Boca, Buenos Aires. Sus cuadros, de notable color y
composición, muestran la actividad, el vigor y la rudeza de la vida
portuaria. En la década de 1950 creó la calle "Caminito",
una antigua vía de ferrocarril transformada en museo al aire libre,
para favorecer a los artistas y artesanos de su barrio.
Rubén Grau (1959). Pintor, dibujante y escultor argentino, líder del Conceptulismo Latinoamericano.
Gabriel Orozco (1962). Artista conceptual mexicano, hijo del muralista Mario Orozco Rivera quien fuera discípulo de David Alfaro Siqueiros. Es uno de los plásticos latinoamericanos más influyentes del fin de siglo pasado y principios del actual, por sus técnicas de exploración que incluyen video, dibujo, fotografía, escultura y la performance artística.
ENTREVISTA
Pilar
González, pintora, docente, gestora cultural
“Un
museo de arte contemporáneo es un espacio vivo”
–¿Cómo
nace un artista?
–Es
algo natural. Algunas personas nacen con virtudes para crear, con
talentos y necesidades, pero cada uno lo expresa distinto:
escribiendo, cantando, actuando, pintando. Me acuerdo que en la
escuela mis mejores notas eran en dibujo. Las maestras llamaban a mi
madre para mostrarle lo que había dibujado. Cuando había que hacer
algo a fin de año: allá iba Pilar. Pero el artista también debe
trabajar, estudiar, no rendirse frente a los problemas y las
dificultades. Yo dibujaba todo el tiempo, pero en mi casa lo veían
como algo normal, como mi pelo oscuro o mis ojos marrones. Así fue
pasando el tiempo, luego me casé, tuve hijos y seguí dibujando,
pero sin proponerme ser una pintora. Pero llegó un momento, ya
mayor, que tuve la necesidad de hacer arte, y entré en el taller de
Eduardo Fornisari. Para mí fue empezar una nueva vida, que me hace
muy feliz. Por eso siempre le digo a los chicos que visitan el museo,
que nunca abandonen sus sueños, porque si perseveran, seguro que los
van a cumplir.
–¿Cuándo
se sintió artista?
–Cuando
me di cuenta que además de mi virtud natural para el dibujo, también
tenía técnica para pintar obras que otros iban a ver o para hacer
ilustraciones que me publicaban revistas. Creo que los artistas
plásticos somos distintos a quienes hacen otras artes: el escritor
se expresa en el papel, con la palabra, el actor con su cuerpo, con
sus gestos, el cantante con su voz y el plástico también, pero se
protege detrás de su obra. Por ejemplo, hay muchos colegas que
parecen muy tímidos, pero que expresan su carácter con mucho color,
con figuras poderosas; porque tienen algo muy fuerte adentro, que
sale al exterior cuando pintan. Lo primero que debe tener el artista
es algo que comunicar, algo personal, que ninguna otra persona puede
decir, pero, además debe tener calidad técnica, que se aprende en
años de formación.
–¿Qué
tiene de distinto un museo de arte contemporáneo?
–Es
mucho más vivo, más diverso, hasta más divertido. Los museos
tradicionales eran depósitos de obras, aburridos, pero, gracias al
vigor de los museos de arte contemporáneo también comenzaron a
cambiar, se modernizaron. En el MAC hay mucha luz, hay espacios, hay
áreas para dialogar, y no solo de pintura o escultura. Claro que se
muestra la obra del artista, pero también se cuenta como vive o como
vivía, su pueblo, su casa, su familia. Es una
información muy importante. Recuerdo una revisión y exposición (en 2007) de la obra del escultor
Antonio Pena, muerto a mediados del siglo pasado. Su trabajo estaba un poco
abandonado, pero se lo rescató, se lo recuperó y se mostraron
objetos de su vida. Así trabaja un museo de arte contemporáneo.
Otras visiones de la vida y el Hombre, intervención en vidrio y cristal, Águeda Di Cancro, 1997. (Archivo MAC)
Otras
visiones de la vida y el hombre
La
obra de Águeda Dicancro da una fascinante bienvenida a los
visitantes del Museo de Arte Contemporáneo del El País. Está
puesta allí para contar una historia, tallada en vidrio y metal, que
tiene un argumento, pero que también recibe infinitas
interpretaciones y tantos finales como observadores.
Dicancro
es una artista uruguaya de prestigio internacional. "Un monstruo
sagrado de la artesanía", como la define la crítica María
Luisa Torrens. Tan conocida y tan apreciada, que basta decir su
nombre para que en el mundo del arte se sepa que se trata de ella:
Águeda.
Detalle de "Otras visiones...". (Archivo MAC)
Desde
1970 trabaja con el vidrio como camino expresivo, que se funde con
metales y otros materiales. Paradójicas creaciones que combinan
fragilidad, transparencia, y la inmaterialidad del cristal, con una
carga de fuerza y vigor. La serie Otras visiones de la vida y el
hombre fue realizada en 1997, para la inauguración de la nueva sede
del MAC.
Gran Cactus, escultura en hierro y madera, Octavio Podestá, 1993. (Alejandro Sequeira)
Gran Cactus
El hierro y la madera son materiales nobles con los que trabaja Octavio Toto Podestá (1929), desde sus inicios, hace casi medio siglo. Desde entonces el escultor montevideano, hijo dilecto del histórico barrio La Blanqueada, investiga una diversidad de figuras, texturas, colores, utilizando elementos de desecho, que recupera, transforma, dignifica. Podestá es un maestro de la técnica mixta, que modifica pedazos de troncos y metales, para darles una forma creativa por la forma misma. Fue el primer uruguayo que incorporó movimiento real a la escultura. Toto "Es un veterano docente y un joven pujante, un antiguo conocedor del oficio y un niño que juega, un artista serio por elección y un hombre de risa frecuente; dueño de una humildad natural."
Pilar González.
Rectángulos CXXVII, acrílico sobre tela de un metro por un metro, 1973.
José
Pedro Costigliolo (1902-1985)
Montevideano, investigador de la
pintura, precursor de la estética no figurativa uruguaya, fundador
del Grupo de Arte No-figurativo en 1952, e iniciador del Movimiento
Concreto en 1955. Su obra se caracteriza por la simplicidad
geométrica y por una notoria influencia de los constructivistas
rusos y los neoplasticistas holandeses. Su creatividad está presente
en el MAC, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Juan
Manuel Blanes, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de
Arte Moderno de Río de Janeiro, y en el Museo de Arte Contemporáneo
de Madrid.
Córdoba 452, acrílico en tela, 2 X 1.20, 1970.
María
Freire (1917) Pintora y escultora montevideana, alumna de José Cúneo
y Severino Pose. Su obra pasó por una etapa de exploración
escultórica indeterminada entre lo espacial y lo tridimensional, y
evolucionó hacia lo abstracto hasta ser protagonista de la
abstracción dura en el Uruguay. Sus trabajos se encuentran en museos
de uruguayos, brasileños, españoles, y en colecciones privadas,
compatriotas y extranjeras.
Sín título, esmalte sobre tela, 1.76 X 1.27, 1976.
Vicente
Martín (1911-1998) Artista abstracto, nacido en Buenos Aires, considerado
uruguayo por formación y trayectoria. Fue alumno de Guillermo
Laborde y Joaquín Torres García, pero admiraba el estilo
“vibracionista” de Rafael Barradas. Su pintura se basa en la
curiosidad estética y en la transformación de temas en aparciencia
comunes, en imágenes que llaman la atención al observador. Su obra
se encuentra en museos y colecciones privadas de todo el mundo.
Tabaré, técnica mixta en acrílico y madera, 0.63 X 0.63 X 1, 1999.
Bolívar
Gaudín (1932) Artista geométrico de prestigio
internacional que ha realizado exposiciones en Francia, Italia,
España, Suiza y Alemania. Su presencia es permanente en
la Argentina, Brasil y nuestro país. Nacido en Salto, en 1967 se
radicó en París, donde se vinculó con las vanguardias artísticas
europeas y en 1983 adhirió al Movimiento Madí, fundado en Buenos
Aires por el también uruguayo Carmelo Arden Quin. En la actualidad,
tiene una muestra permanente en la famosa galería parisina Orión.
“Las
obras de Bolívar son verdaderos hallazgos que se presentan como un
retorno a los principios primordiales que permiten al espectador,
lejos de ilusionismo y de 'sombras', recuperar ese 'cuerpo' diáfano
que sigue siendo el origen de todos los enigmas de la visión."
Raúl
Santana, poeta, escultor y crítico argentino, ex director del Museo
de Arte Moderno de Buenos Aires.
Multitud, serigrafía, 0.75 X 1.10, 1981.
Alfredo
Testoni (1919-2003)
Para muchos fue el mayor fotógrafo
uruguayo del siglo pasado, testigo periodístico y artístico de
hechos que marcaron al país y al mundo. Como alumno del italiano
Gino Lugli, su debut en la imagen, a los veinte años, fue en un
eposodio de la moderna historia universal: el hundimiento del barco
alemán Graf Spe, frente a la costa montevideana, en 1939. Fue
fotógrafo del taller Torres García, reportero gráfico de los
diarios La Mañana y El Diario, corresponsal de las revistas
estadounidenses Time y Life, secretario de la Comisión Nacional de
Bellas Artes y fundador del "Grupo 8" en 1959.
También fue un
serigrafista que incorporó la foto a las artes plásticas, casi
siempre atraído por muros, fachadas antiguas, materiales que
quedaban del revoque. Sus obra está presente en el MAC, en el Museo
Nacional de Artes Visuales, Museo Juan Manuel Blanes, Museo Municipal
de San José, Museo Municipal de Salto, Edificio Libertad, Banco
Central, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Instituto de Cultura
Hispana de Madrid, Instituto de Artes Visuales de la OEA, en
Washington, Museo Municipal de Kyoto, Japón.
Estancia, papel encolado y óleo, 0.90 X 0.73, 1979.
Jorge
Damini (1931) Es uno de los grandes pintores uruguayos contemporáneos,
aunque nació en la localidad italiana de Nervi, hijo del barítono
Víctor Damiani. La mayor parte de su obra combina paisajes americanos con la
pintura metafísica italiana. Hace habitar la tierra dentro de
cubículos que hacen pensar en el cristianismo primitivo y que
buscan un sentido cósmico. Está presente en museos de Montevideo,
Buenos Aires, Caracas, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile,
Washington, Nueva York.
Constructivo con brújula, Joaquín Torres García, 1932.
Son
corrientes contemporáneas concebidas por la creatividad de artistas
uruguayos. En su primera exposición individual, de 1917, nuestro
compatriota Rafael Barradas llamó la atención del público de
Barcelona, con sus figuras que parecían poco nítidas pero que a su
vez permitían reconocer al retratado; y por una temática expresada
con sentido del humor, como buen caricaturista que también era.
Barradas era tan divertido, que cuando se presentaba daba su nombre,
su nacionalidad y su profesión: pintor vibracionista. Una alusión
directa al Vibracionismo, porque así llamó a su original estilo.
Retrato de Antonio, Rafael Barradas.
Su
gran amigo en tierras catalanas fue Joaquín Torres García, el gran
líder del arte nacional contemporáneo, que propuso una vanguardia
sudamericana y la búsqueda de un lenguaje universal que miraba al
sur del continente. Su teoría artística, el Universalismo
Constructivo, fue seguida por quienes admiraron su notable Escuela
del Sur y por sus alumnos del Taller Torres García: José Gurvich,
Gonzalo Fonseca, Julio Alpuy, Augusto y Horacio Torres, entre tantos.
Recreo, de Petrona Viera. (Museo Blanes)
Planismo
es el carácter que adquirió la pintura uruguaya entre 1920 y 1940,
siguiendo a los post–impresionistas Paul Gauguin y Henri Matisse.
Sus temas fueron diversos: juegos infantiles, retratos familiares,
paisajes y desnudos, óleos, en los que se destacan el color, la luz y
el movimiento de los cuerpos. La mayoría de los pintores de aquella
época pasaron por una experiencia planista, entre ellos: José
Cúneo, Carmelo de Arzadun, Humberto Causa, César Pesce Castro,
Alfredo de Simone, Domingo Bazzurro, Guillermo Laborde, Melchor
Méndez Magariños, Andrés Etchebarne Bidart, y la genial Petrona
Viera.
Pastoral de los niños, Carmelo de Arzadum.
Madi
es un movimiento abstracto iniciado en 1946 por el uruguayo Carmelo
Arden Quin, acompañado por otros artistas: Juan del Prete, Martín
Blaszko, Gyula Kósike, Rhod Rothfuss, Waldo Longo. El grupo dio a
conocer, en Buenos Aires, un manifiesto que explicaba porque su
pintura suprimió toda referencia a la realidad. Actualmente cuenta
con unos 60 integrantes: pintores, escultores y músicos que trabajan
en Francia, Italia, Bélgica, España, Hungría, Japón y el
continente americano.
Composición, óleo sobre cartón, 1945.
“El
principio de Madi es esencialmente una pintura geométrica,
poligonal; con colores netos, sin valores, completamente planos, que rompen, como decimos nosotros, con esa dictadura del rectángulo.”
Carmelo
Arden Quin (Rivera, 1913-2010), en entrevista concedida a El País.
“He
dicho Escuela del Sur; porque en realidad nuestro norte es el Sur...
La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala
insistentemente al Sur, nuestro norte.”
Joaquín
Torres García (1874–1949), en conferencia de la Asociación
Cristina de Jóvenes, 1935.
Construcción Salamanca, bronce, 0.45 x 0.35 x 0.70, María Freire, 1971.
“La
pintura moderna es plana.”
Eduardo
Dieste (1881–1954), pintor, crítico y escritor gallego radicado en
Uruguay, creador del término Planismo.
“Soy
autodidacta, hijo de un pintor de naturalezas muertas, de quien
aprendí como se mojan y como se secan los pinceles.”
Rafael
Pérez de Barradas (1890–1929), en la revista Alfar de Madrid,
donde frecuentaba a su colega Salvador Dalí, al cineasta Luis Buñuel
y al escritor Federico García Lorca.
Autorretrato, Petrona Viera.
Petrona
Viera (1895–1960)
Fue
hija de un presidente, Feliciano Viera, de los políticos más
influyentes de principios del siglo anterior. Aún así debió luchar
más que sus colegas para ganarse un lugar en las artes plásticas,
por entonces, un mundo muy masculino. Pero hubo más: a los dos años
había quedado sorda por una meningitis que, después se verá, para
nada afectó su sensibilidad.
Fue,
quizá, la más clara exponente del Planismo aprendido con su
maestro: Guillermo Laborde. También fue ilustradora y grabadora, una
técnica que conoció en la Universidad del Trabajo del Uruguay.
Comenzó a exponer en 1926, al principio en salones femeninos y
pequeñas muestras colectivas del Círculo de Bellas Artes, pero su
creatividad trascendió rápidamente ese ámbito. Sus temas fueron
tan comunes, óleos en su mayoría, como originales sus colores, sus
luces y el movimiento de sus cuerpos.
Autorretrato, 1893.
Carlos
Federico Sáez (1878-1901)
Nacido
en Mercedes, a los trece años pintaba paisajes y naturalezas
muertas, con una calidad estética que asombraba. Juan Manuel Blanes
aconsejó enviarlo a Roma, casi niño, donde permaneció siete años,
pero en lugar de seguir la corriente academicista, se interesó por
las nuevas propuestas: los Manchistas italianos y el Art Nouveau
francés.
Retrató
a familiares, amigos y modelos con especial atención en el torso en
composición triangular: hizo una pintura de generosos empastes,
expresividad y agudeza de observación. Hombre mundano, representó
la fugacidad del tiempo y lo efímero de la moda, en una serie de más
de setenta óleos y cien dibujos. Regresó a Montevideo en 1900, ya
enfermo, para fallecer a los veintidos años. Una muerte casi
adolescente que da lugar a una incógnita: ¿qué habría ocurrido con
su arte si hubiese alcanzado una edad madura? Casi toda su obra es
preservada en el Museo de Artes Visuales de Montevideo y en el Museo
Municipal Eusebio Giménez de Mercedes.
Autorretrato.
Pedro
Figari (1861-1938)
Su
firma debe ser considerada –junto con la de Joaquín Torres García,
Rafael Barradas y José Cúneo, entre los nacionales– una de las
más buscadas por los marchand y las galerías de arte de todo el
mundo. Este montevideano polifacético fue abogado, político,
escritor y periodista, además de un referente de la pintura
contemporánea latinoamericana. Perteneció a la escuela
postimpresionista, que adaptó a su carácter costumbrista y
americano, con sus escenas de candombes, pericones y de la vida
diaria uruguaya y rioplatense.
Luna y tuna, 1931.
José
Cúneo (1887-1977)
Montevideano
de nacimiento, admirado por sus ranchos y lunas de campo, es de los
pintores uruguayos más cotizados en el mercado internacional de las
artes plásticas. Era alumno de Carlos María Herrera, antes de
viajar a Italia en 1907, para estudiar con Anton María Mucchi. En
1917 viajó a París, interesado en la pintura de Paul Cezanne y Paul
Gauguin, hasta que regresó para iniciar su etapa planista con una
serie de retratos y paisajes de Melo.
Su
estilo luego fue marcado por el expresionista ruso Chaim Soutine
(1894-1943), a quien conoció en la capital francesa. A partir de
1930 pasaba largas temporadas en Florida y Melo, donde inició la
serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo. Cuando se fue a Europa
por tercera vez tomó contacto con la pintura abstracta, y allí
decidió agregar el apellido materno a su firma: Perinetti. José
Cúneo ganó premios y recibió distinciones en todo el mundo, y fue
durante una de sus tantas aventuras intelectuales que murió
sorpresivamente en Bonn, capital de la ex Alemania Federal.
Yuski Gurvich con su esposa Totó Argaña y su hijo Martín en el taller del Cerro. María Julia falleció el 23 de julio de 2011. (Fundación Gurvich)
José Gurvich (1927-1974)
Nacido un 5 de enero invernal, en la aldea lituana de Jieznas, fue hijo de Jacobo Gurvich y Jaie Galperas. Aquella era una familia judía perseguida por el hambre y la discriminación en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Arribado a Montevideo a fines de 1932, él y su hermana Myriam fueron dos niños inmigrantes que estudiaron en la escuela Chile, símbolo educativo del Barrio Sur. De esa época se conservan cuadernos que demuestran una innata capacidad para ilustrar sus trabajos. Juvenil aficionado al violín –“para los judíos es un instrumento cultural, como el tamboril para los uruguayos”, decía–, su primer maestro de pintura fue José Cúneo, y en 1945 ingresó al Taller Torres García, al principio como alumno reconocido por el maestro y luego como profesor.
Hombre astral, 1967. (Fundación Gurvich)
En 1954 se fue a Europa con sus amigos Manuel Aguiar y Antonio Pezzino, y así conoció la obra de El Bosco, Pieter Brueghel, Marc Chagall. Con la ilusión de vivir en el Estado de Israel, al año siguiente se radicó en el kibutz Ramot Menasche. Allí fue pastor de ovejas, una tarea que le permitía dibujar y pintar, y que inspiró pequeñas esculturas sobre la vida colectiva en la granja. Retornó al país en 1967, para participar en la Exposición de la Comisión Nacional de Bellas Artes, que le daría un inesperado reconocimiento. Poco después viajó nuevamente a Israel, Europa y a su destino definitivo: Estados Unidos. Falleció por un sorpresivo ataque cardíaco, mientras pintaba una Sucot, la alegre fiesta judía de la cosecha."
Amalia Nieto con su esposo el músico y escritor Felisberto Hernández, y su hija Ana María, de paseo por Buenos Aires, 1941. (felisbertohernandez.com)
Amalia Nieto (1907-2003)
Su última muestra fue en el Museo de Arte Contemporáneo, en 2001, cuando una vez más dijo: "Nunca estoy totalmente conforme con mi pintura; a menudo estoy totalmente disconforme."
Nacida
en Montevideo, se padre, el médico Manuel Benito Nieto, fue pionero
en cirugía cardíaca y director del Hospital Maciel. En 1925 ingresó
al Círculo de Bellas Artes, donde estudió pintura con Domingo
Bazzurro. Era el auge del Planismo en la pintura uruguaya y una etapa
de auge de los ideales democráticos e igualitarios.
En
1929 realizó su primer viaje de estudios a París, para asistir a la Sorbona, a la Academia de André Lothe y a la Grande Chaumière. La
década de 1930 estuvo signada por el gobierno autoritario de Gabriel
Terra, pero también por el retorno de Joaquín Torres García, quien
en 1934 sacudió al país artístico con su Universalismo Constructivo.
Homenaje a Felisberto Hernández,
madera tallada y pintada al óleo,
30 x 25 cm, 1936.
(felisbertohernandez.com)
Asistió al Taller Torres García, como discípula y contribuyente
para hacerlo posible. En mayo de 1936 realizó una muestra de sus
pinturas constructivas en la Asociación de Amigos del Arte y desde entonces se
sucedieron 33 exposiciones individuales y 37 premios en salones
nacionales, municipales. Entre tantos: el Gran Premio Pintura en el
XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas 1967, el Gran Premio
Escultura en el XXXIII Salón Nacional 1969 y el Premio Pintura del
Concurso de Caja Notarial 1991.
Representó
a Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba, San Marino y
Spoletto en Italia, y expuso enParís, Alemania y Estados Unidos. En 1995 volvió a París para tomar cursos de
mosaico con Gino Severini y grabado con J. Friedlander, mientras era
invitada a participar en el Concurso Premio Figari, para una
retrospectiva del Museo Nacional de Artes Visuales.
Su
obra consta de series, las más conocidas: calles de París, búhos y
la que la autora denomina Naturalezas Muertas Mentales.
Carlos Páez Vilaró (1923-2014)
"Pintor, ceramista, escultor, muralista, escritor, compositor y constructor autodidacta, nacido en Montevideo. Comenzó a manifestarse en el arte en la década de 1940, convocado por el Candombe, la comparsa afro-oriental y la vida en el conventillo “Mediomundo”. Pintó decenas de cartones, compuso para las comparsas lubolas, dirigió sus coros, decoró sus tambores y actuó como incitador de un folklore que en ese momento luchaba por imponerse contra la incomprensión.
Vivió con el médico franco-alemán Albert Schweitzer en el leprosario africano de Lambaréné, Gabón. Expuso sus obras en museos y galerías de todo el mundo y el destino quiso que se encontrara con grandes maestros: Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio De Chirico, Jean Cocteau, Jean Cassou, Alexander Calder, Andy Warhol.
Avanzan los Sarabanda calle abajo, acrílico sobre tela, 150 X 150 cm. (http://carlospaezvilaro.com.uy)
Lavanderas, velorios, navidades, mercados, bailongos a la luz de la luna, poblaron los cartones y lienzos de Páez. Agotado el tema, fue inevitable su partida hacia Brasil, donde iniciaría un largo viaje a través de todos aquellos países donde la negritud tenía fuerte presencia: Senegal, Liberia, Congo, República Dominicana. Haití, Cameroun, Nigeria… Como integrante de la expedición francesa “Dahlia” realizó en Africa el film Batouk, distinguido para clausurar el Festival de Cannes. El “Mediomundo” fue demolido por la dictadura, pero el artista mantuvo con firmeza su lealtad al tema afro-uruguayo mientras ejecutaba el tamboril en el Desfile de Llamadas. Radicado en Punta Ballena, tiene su taller en la cúpula mayor de Casapueblo, su “escultura habitable”, modelada con sus propias manos, sobre los acantilados que miran al final Río de la Plata."
Biografía de la página web: http://carlospaezvilaro.com.uy/nuevo/home/
Agradecimientos:
Eduardo Vidal Scheck, director general del Museo de Arte
Contemporáneo; Claudia Vidal Sheck, directora ejecutiva; Pilar
González, directora artística; Isabel Quesada, secretaria general;
Soledad Risso, Eusebio Sastre, María Luisa Torrens, Octavio Podestá.
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