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| Fachada del MAC. (Ministerio de Educación y Cultura) |
18
de Julio 965, entre Río Branco y Julio Herrera y Obes. El venerable
edificio, octogenario, es una elegante evocación de aquella
ciudad afrancesada de principios del siglo pasado, culta, sensible a
las vanguardias artísticas. Desde su nacimiento, en otoño de 1932,
es la Casa de los Rurales, construida por Francisco Lasala, con las
formas delicadas y la luz envolvente que define al estilo Art
Nouveau. Fue por pedido de los pioneros de la Federación Rural,
emprendedores del país que concibieron un escenario inspirado en su
medio de lucha diaria: la naturaleza. Desde hace una década, su
segundo piso es un espacio único, que multiplica iniciativas, que
preserva nombres y obras memorables, que apela a la memoria de un
pasado muy actual, repleto de futuro. Allí está el Museo de Arte
Contemporáneo de El País. Un ámbito de expresión cultural que
ha innovado en la gestión y que propone una visión
original del arte de su tiempo. Es decir, del arte nuevo.
Sobre la base del fascículo N° 11 de la serie "Paseos que Enseñan", producido por Trocadero Gabinete DDiseño (El País, Montevideo, Agosto de 2008).
Concepto visual y diseño: Alejandro Sequeira.
Sobre la base del fascículo N° 11 de la serie "Paseos que Enseñan", producido por Trocadero Gabinete DDiseño (El País, Montevideo, Agosto de 2008).
Concepto visual y diseño: Alejandro Sequeira.
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| Técnica mixta sobre cartón, Aldo Peralta, 1974. (Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo) |
–Entonces,
¿yo también puedo ser un artista? –fue la pregunta del vivaz
adolescente, mientras observaba una pintura del salteño Aldo
Peralta.
El
jovencito había escuchado, con inusual atención, una anécdota
contada por su viuda, Lacy Duarte, en el Museo de Arte
Contemporáneo. Peralta fue un creador genial del siglo pasado, que
evolucionó desde lo figurativo a lo abstracto. Murió muy joven,
pero también logró mucho, muy joven. Cuando ganó su primer premio
de pintura, era un niño que fue a recibirlo de pantalones cortos. Lacy trabajó en series de pinturas y objetos, tallas en madera, objetos de miga de pan, colchas de trapos (traperas), en instalaciones de contenido social que refieren a su origen, a la condición de la mujer y los niños en el campo, a las faenas rurales (Ceibos y panes, Bretes, Trampas, Venceduras, Traperas). Fue la mayor divulgadora de la obra de Aldo.
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| Aldo Peralta en el MAC, 2008. (Alejandro Sequeira) |
“Arte contemporáneo es la expresión de un creador que vive atento a su época.”
Octavio
Podestá, escultor.
(MB Estudio Fotográfico)
(MB Estudio Fotográfico)
El
vuelo de Matías
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| La paloma de Matías. (Archivo MAC) |
Minutos
después presentó una hoja dibujada con cuatro líneas. Su trabajo
–y los de sus compañeros– fue expuesto en una muestra: El niño
y la paloma. Cuentan testigos que cuando Matías llegó a la
inauguración, aquel viernes 11; se quedó mudo. Su dibujo ampliado y
resaltado dentro de una mampara, dominaba el centro de la sala.
Apenas un mínimo detalle era distinto al original: un ojo pintado de
rojo para realzar su obra, que evocaba a Pablo Picasso. Los mismos
testigos cuentan, que Matías lloraba de emoción. Pero también se
mataba de la risa, porque fue, y será, el día más feliz de su
vida.
Sombrerito
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| Girasol candombeando, técnica mixta, Hugo Longa, 1974. (Archivo MAC) |
“Los
museos de arte contemporáneo son muy atractivos, muy seductores,
porque además de exhibir el trabajo de un autor; también cuentan su
historia. Cuando el museo muestra sus fotos personales, su taller,
sus paletas de pintar o su sombrerito, está informando como vive, o
como vivió, de donde viene y hacia donde va su obra.”
Enrique
Gómez, experto en arte moderno, marchand, asesor del MAC.
¿Un
paraguayo?
–¿Por
qué no traés a un francés o a un norteamericano? –fue el
comentario de un artista uruguayo a María Luisa Torrens, cuando en
1980 presentó una muestra de Carlos Colombino, arquitecto, escritor,
coleccionista y por entonces director del Museo de Arte Contemporáneo
de Asunción del Paraguay.
Una anécdota que la periodista suele recordar, respondida años después en el prólogo
del catálogo que inauguraba la actual sede del MAC. “Ello
demuestra el grado de colonización cultural que padece un gran
sector del mundo artístico de nuestro país y la discriminación que
existe entre las propias naciones del llamado Tercer Mundo.”
Arte
Es
el conjunto de creaciones que expresan una visión sensible del
mundo, sea real o imaginario. El arte expresa ideas o emociones a
través de recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, y también
percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos. Paras el
primer Homo sapiens, el primer hombre, el arte tuvo una función
ritual, mágica y religiosa, que cambió con el paso del tiempo hasta
transformarse en un complejo lenguaje de la imaginación y la
creatividad.
Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo
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| Llegando al MAC. (Alejandro Sequeira, 2008) |
Merece ser considerado un de los pioneros del actual modelo de gestión cultural abierta a la población. Concebido con la dirección artística de la periodista y crítica de arte María Luisa Torrens, desde entonces se propone expresar la diversidad del trabajo artístico y democratizar el acceso a la cultura, con una estrategia de difusión activa de su acervo patrimonial, de sus exposiciones y de sus actividades educativas.
El
Museo de Arte Contemporáneo de El País es
una institución creada para acompañar la innovación artística,
que recoge una experiencia pionera de protección y difusión
patrimonial. Desde un principio la idea estuvo en cada línea escrita
por lo fundadores del diario –Washington Beltrán, Eduardo
Rodríguez Larreta, Leonel
Aguirre– pero fue otro pionero –Carlos Scheck– que un 17 de
julio de 1958 inauguró el Centro de Artes y Letras (CAYL). Don
Carlos había
llamado a
los arquitectos De los Campos, Puente y Tournier para reciclar los
sótanos del edificio El País, de la Plaza Cagancha, mientras
acordaba compartir la nueva sala con el Museo de Arte Modermo (MAM)
de los famosos hermanos Jorge y Carlos Paez Vilaró.
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| Espacios contemporáneos. (Alejandro Sequeira, 2008) |
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| Figura, técnica mixta, Hugo Nantes, 1987. (Archivo MAC) |
Así
pasaron catorce años, hasta que en 1980 renació el espíritu del
inolvidable CAYL de Don
Carlos,
ahora renovado y renombrado: Museo de Arte Contemporáneo. Su primer
director ejecutivo fue Daniel Scheck, también coleccionista de arte
y con el mismo impulso innovador para realizar la I Bienal del
Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol en el arte”; una
propuesta que reconocía una verdad incuestionable pero que entonces
no era admitida en los círculos cultos: el fútbol es el más
entrañable patrimonio de los uruguayos.
El
14 de setiembre de 1997 fue la fecha señalada, para inaugurar un
nuevo ámbito de gestión cultural; en una cuadra histórica, repleta
de la mejor arquitectura, pero eclipsada por la
caída de las grandes tiendas, de los cines y el declive de los bares
céntricos.
Ese día el Museo de Arte Contemporáneo se mudaba al segundo piso de
la Casa de los Rurales, de 18 de Julio 965, entre Río Branco y Julio
Herrera y Obes. La planta fue transformada en un
ambiente único, diseñado especialmente para una institución
distinta a las tradicionales. Mauricio Mezzotoni, Fernando Olivera y
el arquitecto Rodrigo Olivera, le dieron al Art Nouveau original, una
nueva forma, una nueva luz, una nueva textura. María Luisa Torrens
concibió en su entrada un “Espacio Mercosur”, hoy ampliado a
“Espacio Latinoamericano”. La sala principal es un laberinto
simple, que se disfruta mientras se lo desentraña; que combina
colores neutros en las paredes y oscuros en el piso, para acoger una
magnífica diversidad de obras y de autores de nuestro tiempo.
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| Naturaleza blanca y rosa, acrílico y tinta sobre tela, Amalia Nieto, 1976. (Alejandro Sequeira) |
“Nuestros
invitados tienen la oportunidad de acercarse a un museo de escala
humana: observan, investigan, dialogan sobre las artes, los artistas
y sus obras”, cuenta Pilar González, responsable de las charlas de
sensibilización que cada tarde comparten niños y jóvenes de todo
el país. Una propuesta educativa original que permanece abierta
todos los días, de domingo a domingo.
MUVA
El Museo Virtual de Artes y su publicación Arte son iniciativas culturales del diario El País que aseguran la continuidad de un propósito: divulgar la producción nacional de pintura, escultura y letras. Ambos son dirigidos por la docente, periodista, curadora artística, historiadora y crítica de arte Alicia Haber.
MUVA
MUVA: http://muva.elpais.com.uy/
Revista Arte: http://arte.elpais.com.uy/
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| Portada del fascículo MAC, serie Paseos que Enseñan. (Alejandro Sequeira) |
Ciudad: Montevideo
Barrio: Centro
Ubicación: 18 de Julio 965, piso 2
Teléfono: 29006662 / 29022942
Correo Electrónico: museomac@elpais.com.uy
¿Cómo llegar? Todas las líneas de ómnibus que pasan por el Centro.
Visitas. Lunes de 14 a 18.30 y martes a domingo de 14 a 20. La entrada es gratuita. Las charlas de sensibilización artística se realizan dentro de estos horarios y deben ser agendadas con anticipación, por teléfono o correo electrónico.
El MAC tiene una colección de libros y catálogos, sobre autores, obras y exposiciones, que pueden ser consultados o adquiridos, los siete días de la semana.
El MAC tiene una colección de libros y catálogos, sobre autores, obras y exposiciones, que pueden ser consultados o adquiridos, los siete días de la semana.
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| Guernica, óleo sobre lienzo, símbolo del Cubismo, ícono artístico y político del siglo XX. Fue pintado por Pablo Picasso entre mayo y junio de 1937, por pedido de la II República Española. La obra de 777 por 349 centímetros, en blanco y negro y una amplia gama de grises, es interpretada como una denuncia del bombardeo aéreo de la localidad vasca, por orden de Francisco Franco. Todavía es objeto de polémicas porque no posee referencias explícitas al ataque que dejó un saldo de 126 muertos. (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) |
Es el hecho creativo que se desarrolla en tiempo presente, en nuestra época. También es la suma de corrientes originadas a principios del siglo pasado que se trasmiten hasta la actualidad por la intervención de museos, centros culturales, galerías de arte, medios de comunicación. Aunque el término se refiere a todas las artes –pintura, escultura, arquitectura, música, letras– es mejor reconocido a través de la plástica. Los primeros grandes pintores contemporáneos fueron: Henri Matisse, iniciador del fauvismo francés; Basili Kandinsky, autor de la primera obra abstracta conocida y Marcel Duchamp, líder de los jóvenes rebeldes que crearon el Dadaísmo que desafió la tradición figurativa clásica. Por su talento e influencia podría sumarse el español Pablo Picasso, notable exponente del Cubismo que también marca una seña de identidad actual. Después de la Segunda Guerra Mundial (1939–1945) florecieron nuevas vanguardias artísticas y desde entonces se multiplicaron los centros dedicados a su preservación y exposición. El Museo de Arte Contemporáneo de El País mantiene esta concepto por haber sido especialmente creado para acompañar la innovación. Es un espacio cultural distinto, que recoge una experiencia pionera de protección y difusión patrimonial.
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| Pablo Picasso y Carlos Páez Vilaró, Francia, 1957. |
"La pintura es un instrumento ofensivo y defensivo contra el enemigo."
Pablo Picasso, poco después de finalizar el Guernica, estrenado en la Exposición Internacional de París 1937 para promover la causa republicana en la Guerra Civil Española. |
| Retrato de Denis Hooper, aceite, bondo, cera y platos de cerámica sobre madera
(184.1 x 153.6 x 12.7 cm),
|
Para varios autores es la tercera etapa del Arte Contemporáneo, surgida
en 1968 como respuesta a los cambios políticos, sociales y
culturales de fines del siglo pasado. El nombre se refiere a los
movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos,
definidos por su oposición o superación del modernismo. Algunos
ejemplos: Arte Povera, Nuevo Realismo Francés, Arte Conceptual o
Minimalista, Expresionismo Abstracto.
BIO
MARÍA
LUISA TORRENS
Montevideana
multifacética, periodista, docente, gestora cultural, fue la primera
directora artística del Museo de Arte Contemporáneo, quien le dio su nombre
y un carácter moderno y abierto a la diversidad de nuevos autores y
nuevas corrientes plásticas. Fue profesora de Historia del Arte,
jurado de bienales internacionales, crítica de arte del diario El
País, conductora de programas televisvos. En 1980 dirigió la 1ª
Bienal Internacional del Deporte en las Artes Plásticas “El Fútbol
en el Arte”, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y al siguiente
organizó la Bienal de Grabado Iberoamericano. Fue directora de
Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, entre 1990 y 1995, y
del MAC entre 1980 y 2002.
“Es menester democratizar la cultura, ha dicho alguien en frase compendiosa y feliz. Que no solo la élite que ha visitado museos europeos o pasado por aulas universitarias, sea la que conozca las obras maestras. El arte debe llegar al corazón de las multitudes.”
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| Nico Barcia, 2008. |
Pasaje del artículo “Democratizar la cultura”, publicado en la portada del primer número del diario El País, 14 de setiembre de 1918.
“Desde
un principio nuestro museo se preocupa por descubrir a los artistas
jóvenes y por recuperar a los artistas olvidados. Nuestro primer
compromiso es preservar la memoria de los creadores uruguayos y
latinoamericanos.”
Claudia
Vidal Sheck, directora ejecutiva del MAC.
Sensibilidad
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| Pilar González en una charla de Sensibilización Artística. (Alejandro Sequeira, 2008) |
“El paso por las salas es de
total libertad, a veces hay 50 o 60 niños, cada uno con sus
intereses. Tratamos de provocar una sensación de cercanía.
Charlamos de todo, largo y tendido, del arte que ellos conocen y del
que nosotros conocemos: la televisión, el cine, los monumentos, los
edificios, de lo que vemos cada día en nuestra casa, en nuestro
barrio, en la escuela. Luego les explicamos que un museo de arte
contemporáneo es distinto a los otros, porque tiene muchas obras de
gente que está viva, con la que pueden charlar. Y así, cuando nos
ponemos a dibujar, todos juntos, seguro que ya se fue el miedo al
aburrimiento.”
Pilar González, responsable de las Charlas de Sensibilización Artística del MAC.
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| Catálogo de la Exposisión del pintor madí Bolívar Gaudín, 1999. |
Es
la cantidad de obras propias del Museo de Arte Contemporáneo de El
País, pero son más las que preserva y comparte con sus visitantes,
en su espacio de 325 metros cuadrados. La institución posee
creaciones de José Pedro Costigliolo, María Freire, Amalia Nieto,
Miguel Ángel Pareja, Vicente Martín, Alfredo Testoni, Hugo Longa,
Águeda Dicancro, Nelson Ramos, Jorge Páez, Octavio Podestá, Hugo
Nantes, Manuel Pailós, Luis Solari, Clever Lara, Jorge Damiani,
Ignacio Iturria, Óscar García Reino, Enrique Silveira, Jorge
Abbondanza, entre tantos.
Abstracto
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| Primera acuarela abstracta, 49,6 por 64,8 centímetros Vasili Kandinsky, 1910. (Centro Geoorges Pompidou, París) |
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| The Key (La Llave), óleo en lienzo, Paul Jackson Pollock, 1946. (Instituto de Arte de Chicago) |
“Arte Contemporáneo es la pintura, la escultura y la arquitectura del siglo XX. Como corriente nació en la década de 1910, luego de conocida la obra del pintor ruso Vasili Kandinsky, precursor y líder de la abstracción y el primero que expuso una acuarela abstracta. Fue una revolución artística, porque hasta ese momento la pintura era figurativa, representaba figuras del mundo que se podían reconocer fácilmente: un rostro, un paisaje, una escena con personas. Pero también es el arte del presente. Cada momento del mundo tuvo su arte contemporáneo. El Renacimiento fue contemporáneo de quienes vivieron en el siglo XVI, el Barroco lo fue del siglo XVII, el Impresionismo de fines del siglo XIX.”
Pilar
González, artista plástica.
MAC
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| Logo en la puerta del MAC. (Alejandro Sequeira) |
El
logo del Museo de Arte Conemporáneo de El País fue creado en 1997
por Punto Publicidad, ganadora de un concurso creativo que convocó a
las principales agencias. Para María Luisa Torrens es un símbolo de la diversidad
cultural y estética, y una forma de sintetizar formas artística
contemporáneas. Las tres letras del isotipo están realizadas en
distintas fuentes gráficas, sobre colores primarios.
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| Fuente (Ready made), porcelana de 33.5 cm, Marcel Duchamp. |
Fauvismo.
Movimiento francés que en la primera década del siglo XX sustituyó
al Impresionismo, agregando un fuerte colorido y trazos muy marcados.
George Braque y Henri Matisse fueron sus más emblemáticos
integrantes.
Cubismo.
También desarrollado en Francia, entre 1907 y 1914, trató las
formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Sus
principales exponente: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan
Gris.
Expresionismo.
Movimiento estético y artístico surgido en Alemania, en 1911, en
concordancia con el fauvismo francés, que pretendía dar al
observador una visión de los sentimientos del artista. Sus figuras
más conocidas: August Macke, Paul Klee, Franz Marc.
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| Nu assis sur un divan (La belle romaine). Desnuda sentada en un diván (La Bella Romana). Amedeo Modigliani, 1917. Vendido en 60 millones de dólares, en 2010. (Archivo Sotheby's) |
Surrealismo.
Tendencia estética, artística y literaria, iniciada en Francia a
partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX. Su manifiesto
fue elaborado en torno a la personalidad del poeta André Breton. Los
surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible
asegurando la importancia de los sueños en la creación artística.
Algunos de sus cultores: Marx Ernst, Salvador Dalí, René
Magritte.
Futurismo.
Escuela italiana de vanguardia fundada el 20 de febrero de 1909, por
el intelectual Filippo Tommaso Marinetti. Los futuristas
desarrollaron un Cubismo “dinámico”, interesados por la
representación del movimiento y la velocidad a través de la
repetición de líneas e imágenes. Algunos de sus seguidores: Gini
Severini, Humberto Boccini, Carlo Cará y Giacomo Balla.
 |
| Coca-Cola 4, creada en 1962 por Andy Warhol, forma parte de un grupo de lienzos en los que el pintor transformó un producto cotidiano en un ícono del arte contemporáneo y de posguerra. |
.
Corriente artística creada por Piet Mondrian en 1917, que proponía
despojar al arte de todo elemento accesorio, utilizando de líneas
rectas que delimitan rectángulos de colores primarios. El más
cercano alumno de Mondrian fue Theo van Doesburg.
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| Mirada y mà, 2003, Antoni Tàpies i Puig. |
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| For the Love of God (Por el amor de Dios), cráneo con incrustaciones de diamantes, Damien Hirst, 2007. |
“El artista es un pararrayos que capta todas las ideas de su sociedad y que las expresa con el lenguaje de su tiempo.”
Bolívar
Gaudín, pintor uruguayo, exponente del Arte Madi, asesor del
Museo de Arte Contemporáneo del El País.
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| Vasili Kandinski, el primer abstracto. |
Vasili Kandinsky (1866-1944). Pintor ruso y teórico del arte, creador de la abstracción
lírica, precursor del Abstraccionismo e iniciador de la etapa
conocida como Arte Contemporáneo.
Henri Matisse (1869-1954). Dibujante, pintor, grabador, escultor, fundador del Fauvismo, conocido por su uso del color y del dibujo.
Piet Mondrian (1872-1944). Pintor abstracto holandés; fundador del Neoplasticismo junto con Theo van Doesburg.
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| Piet Mondrian. |
Carlo Carrà (1881-1966). Pintor y teórico del arte italiano, líder del movimiento Futurista.
Pablo Picasso (1881-1973). Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso. Pintor y escultor español, fundador del Movimiento Cubista, acompañado por Juan Gris y Georges Braque. Pacifista declarado fue militante del Partido Comunista hasta su muerte, a los 91 años, en el exilio francés de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues, en la localidad de Bouches-du-Rhone. Para muchos críticos, la mayoría, fue uno de los mayores sino el mayor plástico del siglo XX.
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| Paul Klee. |
Marcel Duchamp (1887-1968). Francés, líder del Dadaísmo, referente de la vanguardia del siglo XX, precursor del Arte Contemporáneo, con Basili Kandinsky.
Max Ernst (1891-1976). Artista alemán nacionalizado francés
considerado figura fundamental tanto en el movimiento Dadá como en
el Surrealismo. Fue un experimentador infatigable, que utilizó una diversidad de técnicas, estilos y materiales. Sus trabajo buscaba los medios ideales para expresar, en dos o
tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños. |
| Amedeo Modigliani. |
Salvador
Dalí (1904-1989). Pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español, nacido en Málaga, destacado exponente del Surrealismo junto con su compatriota Joan
Miró.
Paul Jackson Pollock (1912-1956). Fue un influyente artista estadounidense, líder y referente del Expresionismo Abstracto. La crítica, en forma casi unánime, lo considera el mayor plástico de su país en el siglo XX.
Antonio Tàpies i Puig (1923-2012). Pintor catalán, escultor y teórico del arte. Sus primeras obras se enmarcaban en el Surrealismo, pero pronto evolucionó hasta transformarse en un referente mundial del Informalismo. Se lo considera un precursor del Arte Povera, por su utilización de materiales pobres, de reciclaje y desecho, cuerdas, papel, polvo de mármol, aunque su "Pintura Matérica" es un concepto diferente a la corriente de origen italiano.
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| René Magritte. |
Julian Schnabel (1951). Pintor estadounidense de origen judío, cultor del Neoexpresionismo y líder del movimiento Pintura Mala (Bad painting). Como director de cine realizó tres películas: Basquiat, Antes que anochezca y La escafandra y la mariposa. Ganó la Palma de Oro de Cannes y fue nominado en los Globos de Oro, Premios BAFTA, en los César y en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Como plástico adquirió notoriedad por sus "Pinturas con con platos" (Plate painting).
 |
| Jackson Pollock. |
Damien
Hirst (1965). El más promocionado artista inglés de la
actualidad, líder del grupo llamado Grupo de Jóvenes Británicos (Young British Artists) y el
creador vivo con la obra mejor pagada del mundo.
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| Peggy era asidua nota de las revista más prestigiosas del mundo. (Archivo Life) |
No era artista, al principio ni siquiera sabía distinguir entre abstracto y surrealismo, pero durante más de medio siglo fue la más influyente coleccionista y mecenas estadounidense de arte. Nacida en Nueva York, se llamaba Marguerite, hija de Benjamin Guggenheim, un magnate judío de origen suizo-alemán, que murió en el Titanic, y de Florette Seligman también judía, pero alemana-holandesa.
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| Marcel Duchamp. |
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| En 1941 regresaba a Estados Unidos con un exiliado del nazismo, que pronto fue su esposo: Max Ernst. (Archivo Life) |
Ese mismo año se separó de Ernst y en 1947 cerró su célebre Galería Art of This Century. De regreso a Europa se radicó en Venecia, una ciudad que le encantaba, que la declaró "Ciudadana Ilustre".
Marguerite Peggy Guggenheim murió por una apoplejía en Padua. Fue enterrada en el jardín de su mansión veneciana, cerca de sus perros.
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| José Clemente Orozco. |
José Clemente Orozco (1883-1949). Muralista y litógrafo mexicano, graduado en la Escuela Nacional de Agricultura de su país y que más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico. Su estilo heroico se basa en un realismo expresionista, con toda conciencia ligado a las antiguas tradiciones artísticas aztecas, de violento dinamismo y elevada calidad.
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| Frida Khalo y Diego Rivera. |
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| David Siqueiros. |
Frida
Kahlo (1907-1954). Pintora surrealista mexicana, la más notable de
América Latina; formó con su esposo, Diego Rivera, la más célebre pareja de artistas plásticos latinoamericanos del siglo pasado.
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| Cándido Portinari. |
Cândido
Portinari (1903-1962). Fue un notable pintor brasileño contemporáneo,
nacido en una plantación de café, que retrató la pobreza y la
injusticia que sufren los campesinos de su país, a quienes describía
como "pies deformes, que pueden contar una historia, semejantes
a los mapas con montes, valles, ríos y caminos".
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| Oswaldo Guayasimín. |
Rubén Grau (1959). Pintor, dibujante y escultor argentino, líder del Conceptulismo Latinoamericano.
Gabriel Orozco (1962). Artista conceptual mexicano, hijo del muralista Mario Orozco Rivera quien fuera discípulo de David Alfaro Siqueiros. Es uno de los plásticos latinoamericanos más influyentes del fin de siglo pasado y principios del actual, por sus técnicas de exploración que incluyen video, dibujo, fotografía, escultura y la performance artística.
Pilar
González, pintora, docente, gestora cultural
“Un
museo de arte contemporáneo es un espacio vivo”
–¿Cómo
nace un artista?
–Es
algo natural. Algunas personas nacen con virtudes para crear, con
talentos y necesidades, pero cada uno lo expresa distinto:
escribiendo, cantando, actuando, pintando. Me acuerdo que en la
escuela mis mejores notas eran en dibujo. Las maestras llamaban a mi
madre para mostrarle lo que había dibujado. Cuando había que hacer
algo a fin de año: allá iba Pilar. Pero el artista también debe
trabajar, estudiar, no rendirse frente a los problemas y las
dificultades. Yo dibujaba todo el tiempo, pero en mi casa lo veían
como algo normal, como mi pelo oscuro o mis ojos marrones. Así fue
pasando el tiempo, luego me casé, tuve hijos y seguí dibujando,
pero sin proponerme ser una pintora. Pero llegó un momento, ya
mayor, que tuve la necesidad de hacer arte, y entré en el taller de
Eduardo Fornisari. Para mí fue empezar una nueva vida, que me hace
muy feliz. Por eso siempre le digo a los chicos que visitan el museo,
que nunca abandonen sus sueños, porque si perseveran, seguro que los
van a cumplir.
–Cuando
me di cuenta que además de mi virtud natural para el dibujo, también
tenía técnica para pintar obras que otros iban a ver o para hacer
ilustraciones que me publicaban revistas. Creo que los artistas
plásticos somos distintos a quienes hacen otras artes: el escritor
se expresa en el papel, con la palabra, el actor con su cuerpo, con
sus gestos, el cantante con su voz y el plástico también, pero se
protege detrás de su obra. Por ejemplo, hay muchos colegas que
parecen muy tímidos, pero que expresan su carácter con mucho color,
con figuras poderosas; porque tienen algo muy fuerte adentro, que
sale al exterior cuando pintan. Lo primero que debe tener el artista
es algo que comunicar, algo personal, que ninguna otra persona puede
decir, pero, además debe tener calidad técnica, que se aprende en
años de formación.
–Es
mucho más vivo, más diverso, hasta más divertido. Los museos
tradicionales eran depósitos de obras, aburridos, pero, gracias al
vigor de los museos de arte contemporáneo también comenzaron a
cambiar, se modernizaron. En el MAC hay mucha luz, hay espacios, hay
áreas para dialogar, y no solo de pintura o escultura. Claro que se
muestra la obra del artista, pero también se cuenta como vive o como
vivía, su pueblo, su casa, su familia. Es una
información muy importante. Recuerdo una revisión y exposición (en 2007) de la obra del escultor
Antonio Pena, muerto a mediados del siglo pasado. Su trabajo estaba un poco
abandonado, pero se lo rescató, se lo recuperó y se mostraron
objetos de su vida. Así trabaja un museo de arte contemporáneo.
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| Otras visiones de la vida y el Hombre, intervención en vidrio y cristal, Águeda Di Cancro, 1997. (Archivo MAC) |
La
obra de Águeda Dicancro da una fascinante bienvenida a los
visitantes del Museo de Arte Contemporáneo del El País. Está
puesta allí para contar una historia, tallada en vidrio y metal, que
tiene un argumento, pero que también recibe infinitas
interpretaciones y tantos finales como observadores.
Dicancro
es una artista uruguaya de prestigio internacional. "Un monstruo
sagrado de la artesanía", como la define la crítica María
Luisa Torrens. Tan conocida y tan apreciada, que basta decir su
nombre para que en el mundo del arte se sepa que se trata de ella:
Águeda.
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| Detalle de "Otras visiones...". (Archivo MAC) |
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| Gran Cactus, escultura en hierro y madera, Octavio Podestá, 1993. (Alejandro Sequeira) |
El hierro y la madera son materiales nobles con los que trabaja Octavio Toto Podestá (1929), desde sus inicios, hace casi medio siglo. Desde entonces el escultor montevideano, hijo dilecto del histórico barrio La Blanqueada, investiga una diversidad de figuras, texturas, colores, utilizando elementos de desecho, que recupera, transforma, dignifica. Podestá es un maestro de la técnica mixta, que modifica pedazos de troncos y metales, para darles una forma creativa por la forma misma. Fue el primer uruguayo que incorporó movimiento real a la escultura.
Toto
"Es un veterano docente y un joven pujante, un antiguo conocedor del oficio y un niño que juega, un artista serio por elección y un hombre de risa frecuente; dueño de una humildad natural."
Toto
"Es un veterano docente y un joven pujante, un antiguo conocedor del oficio y un niño que juega, un artista serio por elección y un hombre de risa frecuente; dueño de una humildad natural."
Pilar González.
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| Rectángulos CXXVII, acrílico sobre tela de un metro por un metro, 1973. |
Montevideano, investigador de la
pintura, precursor de la estética no figurativa uruguaya, fundador
del Grupo de Arte No-figurativo en 1952, e iniciador del Movimiento
Concreto en 1955. Su obra se caracteriza por la simplicidad
geométrica y por una notoria influencia de los constructivistas
rusos y los neoplasticistas holandeses.
Su creatividad está presente en el MAC, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Juan Manuel Blanes, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Su creatividad está presente en el MAC, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en el Museo Juan Manuel Blanes, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
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| Córdoba 452, acrílico en tela, 2 X 1.20, 1970. |
Pintora y escultora montevideana, alumna de José Cúneo y Severino Pose. Su obra pasó por una etapa de exploración escultórica indeterminada entre lo espacial y lo tridimensional, y evolucionó hacia lo abstracto hasta ser protagonista de la abstracción dura en el Uruguay. Sus trabajos se encuentran en museos de uruguayos, brasileños, españoles, y en colecciones privadas, compatriotas y extranjeras.
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| Sín título, esmalte sobre tela, 1.76 X 1.27, 1976. |
Artista abstracto, nacido en Buenos Aires, considerado uruguayo por formación y trayectoria. Fue alumno de Guillermo Laborde y Joaquín Torres García, pero admiraba el estilo “vibracionista” de Rafael Barradas. Su pintura se basa en la curiosidad estética y en la transformación de temas en aparciencia comunes, en imágenes que llaman la atención al observador. Su obra se encuentra en museos y colecciones privadas de todo el mundo.
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| Tabaré, técnica mixta en acrílico y madera, 0.63 X 0.63 X 1, 1999. |
Artista geométrico de prestigio internacional que ha realizado exposiciones en Francia, Italia, España, Suiza y Alemania. Su presencia es permanente en la Argentina, Brasil y nuestro país. Nacido en Salto, en 1967 se radicó en París, donde se vinculó con las vanguardias artísticas europeas y en 1983 adhirió al Movimiento Madí, fundado en Buenos Aires por el también uruguayo Carmelo Arden Quin. En la actualidad, tiene una muestra permanente en la famosa galería parisina Orión.
“Las
obras de Bolívar son verdaderos hallazgos que se presentan como un
retorno a los principios primordiales que permiten al espectador,
lejos de ilusionismo y de 'sombras', recuperar ese 'cuerpo' diáfano
que sigue siendo el origen de todos los enigmas de la visión."
Raúl
Santana, poeta, escultor y crítico argentino, ex director del Museo
de Arte Moderno de Buenos Aires.
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| Multitud, serigrafía, 0.75 X 1.10, 1981. |
Alfredo
Testoni (1919-2003)
Para muchos fue el mayor fotógrafo
uruguayo del siglo pasado, testigo periodístico y artístico de
hechos que marcaron al país y al mundo. Como alumno del italiano
Gino Lugli, su debut en la imagen, a los veinte años, fue en un
eposodio de la moderna historia universal: el hundimiento del barco
alemán Graf Spe, frente a la costa montevideana, en 1939. Fue
fotógrafo del taller Torres García, reportero gráfico de los
diarios La Mañana y El Diario, corresponsal de las revistas
estadounidenses Time y Life, secretario de la Comisión Nacional de
Bellas Artes y fundador del "Grupo 8" en 1959.
También fue un
serigrafista que incorporó la foto a las artes plásticas, casi
siempre atraído por muros, fachadas antiguas, materiales que
quedaban del revoque. Sus obra está presente en el MAC, en el Museo
Nacional de Artes Visuales, Museo Juan Manuel Blanes, Museo Municipal
de San José, Museo Municipal de Salto, Edificio Libertad, Banco
Central, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Instituto de Cultura
Hispana de Madrid, Instituto de Artes Visuales de la OEA, en
Washington, Museo Municipal de Kyoto, Japón. |
| Estancia, papel encolado y óleo, 0.90 X 0.73, 1979. |
Es uno de los grandes pintores uruguayos contemporáneos, aunque nació en la localidad italiana de Nervi, hijo del barítono Víctor Damiani. La mayor parte de su obra combina paisajes americanos con la pintura metafísica italiana. Hace habitar la tierra dentro de cubículos que hacen pensar en el cristianismo primitivo y que buscan un sentido cósmico. Está presente en museos de Montevideo, Buenos Aires, Caracas, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Washington, Nueva York.
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| Constructivo con brújula, Joaquín Torres García, 1932. |
Son
corrientes contemporáneas concebidas por la creatividad de artistas
uruguayos. En su primera exposición individual, de 1917, nuestro
compatriota Rafael Barradas llamó la atención del público de
Barcelona, con sus figuras que parecían poco nítidas pero que a su
vez permitían reconocer al retratado; y por una temática expresada
con sentido del humor, como buen caricaturista que también era.
Barradas era tan divertido, que cuando se presentaba daba su nombre,
su nacionalidad y su profesión: pintor vibracionista. Una alusión
directa al Vibracionismo, porque así llamó a su original estilo.
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| Retrato de Antonio, Rafael Barradas. |
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| Recreo, de Petrona Viera. (Museo Blanes) |
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| Pastoral de los niños, Carmelo de Arzadum. |
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| Composición, óleo sobre cartón, 1945. |
Carmelo
Arden Quin (Rivera, 1913-2010), en entrevista concedida a El País.
“He
dicho Escuela del Sur; porque en realidad nuestro norte es el Sur...
La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala
insistentemente al Sur, nuestro norte.”
Joaquín
Torres García (1874–1949), en conferencia de la Asociación
Cristina de Jóvenes, 1935.
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| Construcción Salamanca, bronce, 0.45 x 0.35 x 0.70, María Freire, 1971. |
Eduardo
Dieste (1881–1954), pintor, crítico y escritor gallego radicado en
Uruguay, creador del término Planismo.
“Soy
autodidacta, hijo de un pintor de naturalezas muertas, de quien
aprendí como se mojan y como se secan los pinceles.”
Rafael
Pérez de Barradas (1890–1929), en la revista Alfar de Madrid,
donde frecuentaba a su colega Salvador Dalí, al cineasta Luis Buñuel
y al escritor Federico García Lorca.
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| Autorretrato, Petrona Viera. |
Fue
hija de un presidente, Feliciano Viera, de los políticos más
influyentes de principios del siglo anterior. Aún así debió luchar
más que sus colegas para ganarse un lugar en las artes plásticas,
por entonces, un mundo muy masculino. Pero hubo más: a los dos años
había quedado sorda por una meningitis que, después se verá, para
nada afectó su sensibilidad.
Fue,
quizá, la más clara exponente del Planismo aprendido con su
maestro: Guillermo Laborde. También fue ilustradora y grabadora, una
técnica que conoció en la Universidad del Trabajo del Uruguay.
Comenzó a exponer en 1926, al principio en salones femeninos y
pequeñas muestras colectivas del Círculo de Bellas Artes, pero su
creatividad trascendió rápidamente ese ámbito. Sus temas fueron
tan comunes, óleos en su mayoría, como originales sus colores, sus
luces y el movimiento de sus cuerpos.
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| Autorretrato, 1893. |
Nacido
en Mercedes, a los trece años pintaba paisajes y naturalezas
muertas, con una calidad estética que asombraba. Juan Manuel Blanes
aconsejó enviarlo a Roma, casi niño, donde permaneció siete años,
pero en lugar de seguir la corriente academicista, se interesó por
las nuevas propuestas: los Manchistas italianos y el Art Nouveau
francés.
Retrató
a familiares, amigos y modelos con especial atención en el torso en
composición triangular: hizo una pintura de generosos empastes,
expresividad y agudeza de observación. Hombre mundano, representó
la fugacidad del tiempo y lo efímero de la moda, en una serie de más
de setenta óleos y cien dibujos. Regresó a Montevideo en 1900, ya
enfermo, para fallecer a los veintidos años. Una muerte casi
adolescente que da lugar a una incógnita: ¿qué habría ocurrido con
su arte si hubiese alcanzado una edad madura? Casi toda su obra es
preservada en el Museo de Artes Visuales de Montevideo y en el Museo
Municipal Eusebio Giménez de Mercedes.
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| Autorretrato. |
Su
firma debe ser considerada –junto con la de Joaquín Torres García,
Rafael Barradas y José Cúneo, entre los nacionales– una de las
más buscadas por los marchand y las galerías de arte de todo el
mundo. Este montevideano polifacético fue abogado, político,
escritor y periodista, además de un referente de la pintura
contemporánea latinoamericana. Perteneció a la escuela
postimpresionista, que adaptó a su carácter costumbrista y
americano, con sus escenas de candombes, pericones y de la vida
diaria uruguaya y rioplatense.
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| Luna y tuna, 1931. |
Montevideano
de nacimiento, admirado por sus ranchos y lunas de campo, es de los
pintores uruguayos más cotizados en el mercado internacional de las
artes plásticas. Era alumno de Carlos María Herrera, antes de
viajar a Italia en 1907, para estudiar con Anton María Mucchi. En
1917 viajó a París, interesado en la pintura de Paul Cezanne y Paul
Gauguin, hasta que regresó para iniciar su etapa planista con una
serie de retratos y paisajes de Melo.
Su
estilo luego fue marcado por el expresionista ruso Chaim Soutine
(1894-1943), a quien conoció en la capital francesa. A partir de
1930 pasaba largas temporadas en Florida y Melo, donde inició la
serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo. Cuando se fue a Europa
por tercera vez tomó contacto con la pintura abstracta, y allí
decidió agregar el apellido materno a su firma: Perinetti. José
Cúneo ganó premios y recibió distinciones en todo el mundo, y fue
durante una de sus tantas aventuras intelectuales que murió
sorpresivamente en Bonn, capital de la ex Alemania Federal.
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| Yuski Gurvich con su esposa Totó Argaña y su hijo Martín en el taller del Cerro. María Julia falleció el 23 de julio de 2011. (Fundación Gurvich) |
José Gurvich (1927-1974)
Nacido un 5 de enero invernal, en la aldea lituana de Jieznas, fue hijo de Jacobo Gurvich y Jaie Galperas. Aquella era una familia judía perseguida por el hambre y la discriminación en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Arribado a Montevideo a fines de 1932, él y su hermana Myriam fueron dos niños inmigrantes que estudiaron en la escuela Chile, símbolo educativo del Barrio Sur. De esa época se conservan cuadernos que demuestran una innata capacidad para ilustrar sus trabajos. Juvenil aficionado al violín –“para los judíos es un instrumento cultural, como el tamboril para los uruguayos”, decía–, su primer maestro de pintura fue José Cúneo, y en 1945 ingresó al Taller Torres García, al principio como alumno reconocido por el maestro y luego como profesor. |
| Hombre astral, 1967. (Fundación Gurvich) |
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| Amalia Nieto con su esposo el músico y escritor Felisberto Hernández, y su hija Ana María, de paseo por Buenos Aires, 1941. (felisbertohernandez.com) |
Su última muestra fue en el Museo de Arte Contemporáneo, en 2001, cuando una vez más dijo: "Nunca estoy totalmente conforme con mi pintura; a menudo estoy totalmente disconforme."
Nacida
en Montevideo, se padre, el médico Manuel Benito Nieto, fue pionero
en cirugía cardíaca y director del Hospital Maciel. En 1925 ingresó
al Círculo de Bellas Artes, donde estudió pintura con Domingo
Bazzurro. Era el auge del Planismo en la pintura uruguaya y una etapa
de auge de los ideales democráticos e igualitarios.
En
1929 realizó su primer viaje de estudios a París, para asistir a la Sorbona, a la Academia de André Lothe y a la Grande Chaumière. La
década de 1930 estuvo signada por el gobierno autoritario de Gabriel
Terra, pero también por el retorno de Joaquín Torres García, quien
en 1934 sacudió al país artístico con su Universalismo Constructivo.
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Homenaje a Felisberto Hernández,
madera tallada y pintada al óleo,
30 x 25 cm, 1936.
(felisbertohernandez.com)
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Asistió al Taller Torres García, como discípula y contribuyente
para hacerlo posible. En mayo de 1936 realizó una muestra de sus
pinturas constructivas en la Asociación de Amigos del Arte y desde entonces se
sucedieron 33 exposiciones individuales y 37 premios en salones
nacionales, municipales. Entre tantos: el Gran Premio Pintura en el
XXXI Salón Nacional de Artes Plásticas 1967, el Gran Premio
Escultura en el XXXIII Salón Nacional 1969 y el Premio Pintura del
Concurso de Caja Notarial 1991.
Representó
a Uruguay en las bienales de San Pablo, Córdoba, San Marino y
Spoletto en Italia, y expuso en París, Alemania y Estados Unidos. En 1995 volvió a París para tomar cursos de
mosaico con Gino Severini y grabado con J. Friedlander, mientras era
invitada a participar en el Concurso Premio Figari, para una
retrospectiva del Museo Nacional de Artes Visuales.
Su
obra consta de series, las más conocidas: calles de París, búhos y
la que la autora denomina Naturalezas Muertas Mentales.
Carlos Páez Vilaró (1923-2014)
"Pintor, ceramista, escultor, muralista, escritor, compositor y constructor autodidacta, nacido en Montevideo. Comenzó a manifestarse en el arte en la década de 1940, convocado por el Candombe, la comparsa afro-oriental y la vida en el conventillo “Mediomundo”. Pintó decenas de cartones, compuso para las comparsas lubolas, dirigió sus coros, decoró sus tambores y actuó como incitador de un folklore que en ese momento luchaba por imponerse contra la incomprensión.
Vivió con el médico franco-alemán Albert Schweitzer en el leprosario africano de Lambaréné, Gabón. Expuso sus obras en museos y galerías de todo el mundo y el destino quiso que se encontrara con grandes maestros: Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio De Chirico, Jean Cocteau, Jean Cassou, Alexander Calder, Andy Warhol.
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| Avanzan los Sarabanda calle abajo, acrílico sobre tela, 150 X 150 cm. (http://carlospaezvilaro.com.uy) |
El “Mediomundo” fue demolido por la dictadura, pero el artista mantuvo con firmeza su lealtad al tema afro-uruguayo mientras ejecutaba el tamboril en el Desfile de Llamadas. Radicado en Punta Ballena, tiene su taller en la cúpula mayor de Casapueblo, su “escultura habitable”, modelada con sus propias manos, sobre los acantilados que miran al final Río de la Plata."
Biografía de la página web: http://carlospaezvilaro.com.uy/nuevo/home/
Agradecimientos:
Eduardo Vidal Scheck, director general del Museo de Arte
Contemporáneo; Claudia Vidal Sheck, directora ejecutiva; Pilar
González, directora artística; Isabel Quesada, secretaria general;
Soledad Risso, Eusebio Sastre, María Luisa Torrens, Octavio Podestá.
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